ABC - Arte

1. Francia absuelve a una activista ecologista por pegar un cartel en un cuadro de Monet

   La justicia francesa ha absuelto este martes a una activista ecologista que pegó un cartel sobre el cristal que protege el cuadro 'Coquelicots' de Claude Monet en el museo de Orsay en París para denunciar el cambio climático. Los hechos ocurrieron el pasado 1 de junio. Ese día, la mujer puso un cartel rojo «de unos 50 centímetros de largo» que representaba un paisaje apocalíptico , antes de pegar su mano a la pared junto al lienzo del pintor impresionista. En la audiencia del 20 de noviembre ante el tribunal de París, la joven, militante del movimiento Riposte Alimentaire, ha asegurado que «si no hubiera habido un cristal», no habría llevado a cabo esta «acción de resistencia civil». «Una condena penal habría constituido una injerencia desproporcionada en el ejercicio del derecho a la libertad de expresión de mi clienta», ha explicado su abogado, Yves Patouillard. La fiscalía también había solicitado la absolución . El museo de Orsay, que se ha constituido como parte civil, ha estimado en 27.788 euros (unos 28.860 dólares) el prejuicio económico de la acción por el trabajo que supuso retirar el cartel del cristal protector y el cierre temporal de la exposición. La justicia ya había condenado en 2023 a la activista a una pena de dos meses de prisión , con suspensión de pena, y a un curso de educación ciudadana por hechos similares. En los últimos años, activistas ecologistas han llevado a cabo acciones contra obras maestras –pegado de manos, lanzamiento de sopas o puré, etc.– para alertar de la emergencia climática.

2. El Prado adquiere un Zurbarán por 650.000 euros

   En su cuenta de la red social X, Subastas Segre informa: «Acaba de hacerse público que el Museo del Prado compró en venta privada, por 650.000 euros y a través de Subastas Segre, el cuadro 'Virgen de la Merced con san Pedro Nolasco y san Ramón Nonato', de Francisco de Zurbarán (Badajoz, 1598-Madrid, 1664)». Se trata de un óleo sobre lienzo de 166 por 129 centímetros, realizado por el artista extremeño hacia 1635-1640. En 2015 estuvo expuesto en el Museo Thyssen dentro de la exposición 'Zurbarán. Una nueva mirada'. Ceán Bermúdez , según escribió, lo vio en la sacristía del convento de la Merced Descalza de San José, en Sevilla. La obra salió de España y estuvo presente en la famosa galería de pintura española de Luis-Felipe en el Louvre de París entre 1838 y 1848, siendo vendida en 1853 con gran parte de su colección en Christie's , donde fue adquirido por Colnaghi para el hijo del rey, el duque de Montpensier , que lo trajo y conservó en su palacio de San Telmo, en Sevilla. Su hija, la condesa de París, se lo llevó a su Château de Randan, en Puy-de-Dôme. Al morir pasó a su hijo, Ferdinand de Orleans (1919-1924), duque de Montpensier, y lo heredó su viuda, María Isabel González de Olañeta e Ibarreta, III marquesa de Valdeterrazo (1924-1958); por descendencia pasó a José María Huarte y Jáuregui , marqués viudo de Valdeterrazo (1958-1969); a la colección de Alberto de Huarte Myers y, ya en Pamplona, a la familia Huarte Solchaga , sus últimos propietarios. En el centro del cuadro, dominando la composición, la Virgen y el Niño, inscritos en un rombo, con el hábito mercedario la Virgen, y en blanco más grisáceo también el vestido del Niño. Por arriba, sobre el fondo glorioso, en naranjas, los ángeles celestiales, con flores para coronar a la Reina. Benito Navarrete rastreó su origen hasta un grabado de Vespasiano Strada para la Virgen y de Jan Muller sobre composiciones de Bartholomeus Spranger para los ángeles. Por abajo, sobre fondo oscuro, clara metáfora de lo terrenal, y en línea casi paralela a la parte superior, los santos intercesores. A la izquierda, san Pedro Nolasco, tutor del rey Jaime I y fundador en 1218 de la orden de los mercedarios para la redención de los cautivos, y a la derecha san Ramón Nonato, con el capelo cardenalicio. De ambos personajes destacan sus magníficos rostros de perfil y sus manos, soberbias. La obra aparece en el catálogo razonado y crítico del pintor, de Odile Delenda , 'Francisco de Zurbarán 1598-1664' (Madrid, 2009). Explica en él que «por su temática y estilo, este precioso lienzo formó posiblemente parte del amplio conjunto pictórico que Zurbarán realizó para el Convento de San José de los Mercedarios Descalzos». Comenta Delenda en el catálogo que «llama poderosamente la atención la composición geométrica del lienzo, perfectamente simétrica , en forma romboidal. El bellísimo rostro de María, con sus ojos ensimismados típicos de Zurbarán, es apacible y levemente sonriente. También el Niño es de una perfecta belleza infantil. Aparece de pie bendiciendo con la mano derecha y agarrándose cariñosamente al cuello de la Virgen (...) El pintor extremeño consigue una composición muy personal llena de poesía y de encanto».

3. Lee Miller, en el corazón de la guerra

   En 1977, Lee Miller moría en Sussex (Inglaterra) a los 70 años con un gran secreto a sus espaldas. Su hijo, Antony Penrose , y su mujer, afligidos todavía por la triste noticia, llegaron a la casa familiar después de muchos años y cuando entraron en el desván descubrieron atónitos hasta 60.000 negativos y 20.000 copias de fotografías que no habían visto nunca realizadas durante los años de la II Guerra Mundial . «Mi madre sufrió estrés postraumático por lo que vio en la guerra y no quiso hablar nunca de aquello. Así que cuando descubrimos lo que escondía en aquella buhardilla mi vida cambió para siempre», comenta Antony Penrose, de visita en Barcelona para presentar la exposición 'Crónicas de... Ver Más

4. La 'Fuente de los cuatro ríos' de Bernini, de Patrimonio Nacional, recupera el Ganges

   Patrimonio Nacional exhibe ya en la Sala de Austrias de la Galería de las Colecciones Reales una escultura de Gian Lorenzo Bernini . 'La Fuente de los cuatro ríos' –modelo en bronce de la fuente de la Plaza Navona de Roma– luce desde ayer con la incorporación de una pequeña pieza devuelta a la institución tras ganar la 'sentencia Bernini'.   La figura del Ganges , desaparecida durante décadas , vuelve al lugar al que pertenece, devolviéndole a la emblemática fuente parte de su integridad artística y simbólica. «Es una muestra excepcional del trabajo de Bernini, que vemos en la potencia anatómica de la figura, su elegante movimiento y la extraordinaria expresividad del rostro. Iconográficamente, el Ganges portaba un remo que simbolizaba la navegabilidad del río: solo se ha conservado la parte superior», detalla Virginia Albarrán , conservadora responsable de la colección de Escultura de Patrimonio Nacional. El equipo de Restauración encargado de la reintegración del Ganges ha logrado encajar a la perfección la figura en la base de la fuente. Previamente, y aunque la pieza estaba en buen estado de conservación, realizaron una limpieza superficial y retiraron algunos añadidos modernos, como una base de madera que distorsionaba su diseño original. «Esta figura encaja perfectamente en su asentamiento dentro de la fuente y la hemos colocado de manera definitiva», afirma Isabel Delgado , restauradora del Taller de Metales de Patrimonio Nacional. Para unir el Ganges a la base de la fuente, los restauradores han ideado un complejo mecanismo con anclajes sobre las mismas pletinas originales con las que Bernini ensambló, en el siglo XVII, las diversas figuras que componen su obra maestra. La escultura fue localizada en 2021 dentro de un lote que iba a salir a subasta erróneamente identificada en La Suite Subastas de Barcelona : estaba catalogada con el nombre de Vulcano y se atribuía a la escuela florentina . Los expertos de Patrimonio Nacional detectaron el error. El riguroso proceso de análisis e investigación documental llevado a cabo a continuación por los restauradores y conservadores de la institución validó la autenticidad de la pieza y también su pertenencia a las Colecciones Reales, motivando así el fallo favorable de la 'sentencia Bernini'. Patrimonio Nacional ganó una s entencia judicial que sienta precedente en la protección del patrimonio español: era la primera vez que se recuperaba una pieza expoliada de las Colecciones Reales mediante una reivindicatoria apoyada en informes técnicos. Con la 'sentencia Bernini' la institución recuperaba la figura de la personificación del Ganges, una de las piezas que forma parte de la maqueta 'Fuente de los cuatro ríos'. La escultura alegórica se localizó en noviembre 2021 dentro de un lote que iba a subastarse en La Suite Subastas de Barcelona. Bajo el nombre de Vulcano y dentro del lote 54, se describía como una pieza independiente hecha en bronce dorado al mercurio y que pertenecía a la escuela italiana, «posiblemente Florencia», siguiendo los modelos de Pietro Simoni da Barg a . Calculaban que tenía un valor estimado de entre 2.000 y 2.400 euros . El 24 de noviembre de 2021, el Ministerio de Cultura y Deporte declaró esta obra inexportable de manera cautelar, basándose en la Ley de Patrimonio Histórico Español , y notificó la orden ministerial a la sala, momento en el que la casa de subastas retiró el lote donde estaba incluida la pieza. En ese momento la Brigada de Patrimonio Histórico de la Policía Nacional inició las pesquisas para averiguar el recorrido del Ganges de Bernini. La obra fue comprada a un particular por una empresa de vaciado de inmuebles , después pasó por un anticuario y terminó en la casa de subastas barcelonesa. Como no existía documentación que avalara su procedencia, se solicitó al Juzgado de Instrucción de Guardia de Barcelona su traslado al Palacio Real de Madrid para examinarla y así poder determinar su origen.   Una vez en el Palacio Real de Madrid, los técnicos de la Dirección de las Colecciones Reales de Patrimonio Nacional pudieron comprobar que la figura encajaba como un guante en la maqueta original de Gian Lorenzo Bernini. Los estudios llevados a cabo revelaron que la pieza tiene la misma composición de metales y comparte la misma técnica de fundición que la 'Fuente de los cuatro ríos'. De forma paralela, Patrimonio Nacional recopiló una extensa documentación que demuestra la vinculación histórica de ambas piezas. Cosme de Medici la menciona por primera vez en 1668 como pieza decorativa del despacho de Carlos II . Tras salvarse del incendio del Alcázar en 1734 , la escultura se guardó «en los entrepisos del nuevo Palacio Real a la espera de restauración y destino», según reza el inventario de 1773 conservado en el Archivo General de Palacio. Una vez realizada la investigación, Patrimonio Nacional, representado por la Abogacía General del Estado , presentó una demanda para reivindicar la pertenencia de la pieza de Bernini a las Colecciones Reales, argumentando que «la naturaleza inalienable, inembargable e imprescriptible de estos bienes impide su legal enajenación », tal y como señala la Ley 23/1982 reguladora del Patrimonio Nacional. El Juzgado de Primera Instancia n.º 42 de Barcelona reconoció «de manera fidedigna su pertenencia continuada» en los inventarios de colecciones reales que custodia Patrimonio Nacional con una sentencia firme publicada el 20 de mayo de 2024. También declaró que la obra es «una parte indivisible de la obra en su conjunto» y, por lo tanto, ordenó a la empresa Fine Arts Dealers S.L. que entregue la figura a la institución. La maqueta representa la fuente con obelisco de la Plaza Navona de Roma , hecha en bronce fundido y dorado por Gian Lorenzo Bernini entre 1651 y 1665. En la obra original se representaban cuatro ríos: el Nilo en África, el Río de la Plata en América, el Danubio en Europa y el Ganges en Asia. Son figuras alegóricas que desaparecieron posteriormente sin que hubiera registro de ello. El último inventario donde aparece la pieza íntegra es de finales del XIX. Bernini realizó varios modelos de esta fuente y, según la documentación conservada, fundió uno en plata para un familiar del Papa Inocencio X , quien quedó gratamente sorprendido por el trabajo del artista. Dadas las buenas relaciones entre el Papa y Felipe IV es muy probable que esta maqueta fuera un regalo diplomático.

5. La apuesta segura del Prado en 2025: El Greco, Veronés y Mengs

   El Museo del Prado , que se centró en exposiciones temáticas en 2024, año que cerró con récord de visitantes , ha anunciado hoy su programación expositiva y sus proyectos para 2025. Haciendo gala de ser un museo de grandes nombres del Arte Occidental, más de pintores que de pinturas, llevará a cabo una apuesta segura y dedicará exposiciones monográficas al Greco, Veronés y Mengs , tres pesos pesados en sus colecciones. Abrirá plaza el 18 de febrero el cretense y sus pinturas para el monasterio de Santo Domingo el Antiguo de Toledo en una muestra comisariada por Leticia Ruiz , la hija pródiga que regresó al Prado tras su paso por las Colecciones Reales. Se reunirán por vez primera... Ver Más

6. Arabia Saudí se abre al mercado del arte con su primera subasta internacional

   El 8 de febrero, Sotheby's subastará un centenar de lotes en un evento sin precedentes que marcará la primera subasta internacional en la historia de Arabia Saudí . Titulada 'Origins' , la venta ofrecerá una variedad de ofertas tanto para coleccionistas nuevos como experimentados. La subasta vespertina, dividida de dos partes, incluirá una venta de obras de artistas saudíes junto con los principales nombres de la historia del arte internacional, arte digital y una muestra de todo lo que abarca el lujo, incluidas joyas, relojes, recuerdos deportivos y bolsos. Antes de la venta, el contenido de 'Origins' se exhibirá en una exposición gratuita en la Bujairi Terrace , en el distrito histórico de Diriyah , del 1 al 8 de febrero. Coincide con el festival temático anual que da vida al patrimonio cultural de Diriyah a través de eventos y experiencias. Se erige como un centro cultural de clase mundial y un centro internacional de las artes. Con At-Turaif, un sitio de 300 años de antigüedad declarado Patrimonio de la Humanidad por la Unesco, el entorno histórico realza la oferta de esta subasta inaugural. La subasta abarcará la historia del arte occidental desde importantes obras del impresionismo, el surrealismo y el arte moderno de René Magritte , Pablo Picasso, Paul Delvaux y Wassily Kandinsky , hasta algunos de los nombres más conocidos del arte contemporáneo en todo el mundo, incluidos Andy Warhol, Alexander Calder, Damien Hirst , George Condo y Nicholas Party. Además, varias de las obras se exhibirán al aire libre en espacios de Diriyah: 'Sidle' de Antony Gormley (700.000-900.000 dólares); o una fascinante instalación de luz de James Turrell (120.000- 180.000 dólares). La subasta también ofrecerá una escultura de Alexander Calder, 'Haute couture' (700.000-900.000 dólares), creada en el último año de vida del artista. Otra de las piezas es 'Love', de Robert Indiana (220.000-280.000 dólares). El surrealista René Magritte , que en 2024 desbancó a Picasso en el trono del mercado del arte, estará presente con 'L'État de veille' (1-1,5 millones de dólares): pertenece a una serie de gouaches oníricos que presentan varios motivos emblemáticos: un cielo lleno de nubes, marcos de ventanas y la fachada de una casa. Además, sale a subasta una pintura excepcionalmente rara y de gran escala del surrealista belga Paul Delvaux , 'La Légend' (500.000-700.000 dólares), único cuadro del artista que presenta el Antiguo Egipto, una importante fuente de fascinación para los surrealistas. A su vez, 'Due cavalli in riva al mare' (350.000-450.000 dólares), de Giorgio de Chirico , es un espléndido ejemplo de la atracción del surrealismo por la mitología, la historia y la arquitectura clásicas griegas y romanas. También influenciado por el surrealismo, 'Pointillé' (250.000-350.000 dólares), de Wassily Kandinsky . Esta pintura formaba parte de la colección del Museo Guggenheim de Nueva York. La subasta incluye dos obras de uno de los artistas más influyentes de América Latina, Fernando Botero , de la colección del hijo del artista: 'La mujer de sociedad' (800.000-1,2 millones de dólares) y la escultura 'Hombre a caballo' (1-1,5 millones de dólares). Completan la oferta bolsos de Hermès, relojes de Cartier, Van Cleef & Arpels, Audemars Piguet o Rolex y 'memorabilia' de astros del deporte como Michael Jordan -una camiseta que usó en los playoffs de la NBA de 1998 (800.000-1,2 millones de dólares)- y Cristiano Ronaldo (una serie de camisetas usadas, incluida su camiseta de la selección nacional de Portugal, usada en el partido de cuartos de final del Campeonato Europeo de la Uefa 2024).

7. Visitar a Van Gogh en la noche estrellada de Londres: un sueño hecho realidad

   La National Gallery de Londres ha anunciado que permanecerá abierta desde las 21 h. del viernes 17 de enero hasta las 10 h. del sábado 18 de enero para que el público tenga la opción de ver la exposición 'Van Gogh: poetas y amantes' , que cierra sus puertas el próximo 19 de enero. Hace tiempo que las entradas están agotadas y son muchos los admiradores del pintor que se habían quedado con las ganas de ver la muestra. Ahora tienen una última oportunidad. La crítica londinense se rindió de forma unánime, otorgando a la muestra cinco estrellas. Ha sido visitada ya por más de 280.000 personas . Esta exposición histórica fue el plato fuerte de las celebraciones del bicentenario del museo y reúne más de sesenta obras destacadas de su propia colección y préstamos de museos holandeses, franceses y estadounidenses. Se centra esta deslumbrante muestra en los años que el artista pasó en el sur de Francia: concretamente, en Arlés y en Saint-Rémy-de-Provence entre febrero de 1888 y mayo de 1890. Un periodo corto pero muy fértil y fecundo –pintó tres centenares de obras–, decisivo en su carrera y que conocemos muy bien gracias a la abundante correspondencia con su hermano Theo. El título de la muestra alude a cómo la imaginación poética y el amor se convierten en temas centrales de su producción. Imaginó a sus amigos como poetas y amantes. Esta es la segunda vez que el museo permite al público recorrer sus galerías después del anochecer. La última vez fue hace más de una década para otra muestra de gran éxito, 'Leonardo da Vinci: pintor en la corte de Milán'. Según el director de la National Gallery, Gabriele Finaldi , quien recientemente fue reconocido con el título de Caballero por sus servicios al arte y la cultura, la experiencia de visitar el museo muy temprano por la mañana permitirá al público tener una idea de los hábitos de algunos de los más grandes artistas británicos: «Podrán seguir los pasos de artistas como Freud, Bacon y Hockney , que vinieron aquí a esas horas para inspirarse en la colección del museo«. Lucian Freud , al que el museo dedicó una gran retrospectiva en 2022, decía que usaba el museo «como si fuera un médico; vengo en busca de ideas y de ayuda». Este año también se podrá visitar 'Siena: The Rise of Painting, 1300-1350' (del 8 de marzo al 22 de junio), que reúne pinturas de museos, iglesias y colecciones privadas de todo el mundo de algunos de los más grandes artistas italianos del siglo XIV. Esta exposición, aclamada por la crítica, se exhibe actualmente en el Metropolitan de Nueva York. Entre las celebraciones del bicentenario se incluirá la reapertura de ala Sainsbury el 10 de mayo junto con la inauguración de 'The Wonder of Art' , la renovación más amplia de la colección de la galería en varios años. En primavera se inaugurarán una nueva Supporters House, para miembros y otros simpatizantes, y un nuevo Learning Centre.

8. La policía confisca fotografías de Sally Mann en un museo de Texas tras acusaciones de pornografía infantil

   La policía de Fort Worth (Texas) ha confiscado y «retenido como posible prueba» varias fotografías de Sally Mann que se exhibían en el Museo de Arte Moderno de Fort Worth , uno de los más importantes del país. La intervención se produjo tras las denuncias realizadas el pasado 26 de diciembre por el juez del condado de Tarrant, Tim O'Hare , en el 'Dallas Express': «Hay imágenes expuestas en este museo que, en el mejor de los casos, son sumamente inapropiadas. Deberían ser retiradas de inmediato y las autoridades deberían investigarlas para detectar posibles infracciones penales . Los niños deben ser protegidos y la decencia debe prevalecer». Tras los comentarios de O'Hare, Bo French, presidente del Partido Republicano del condado de Tarrant, afirmó: «Esto es un claro ejemplo de lo que ocurre cuando la cultura de una ciudad se centra únicamente en el crecimiento y los negocios. Si no se presta atención también a la defensa de los estándares morales , se produce este tipo de degeneración. Nuestros maravillosos museos deberían promover la excelencia en lugar de la perversión radical . Estos valores son indistinguibles de los de San Francisco». Entre las obras de la exposición 'Diaries of Home' , que se inauguró el 17 de noviembre de 2024, 'The Perfect Tomato' (1990) y 'Popsicle Drips' (1985), ambas de Sally Mann, que presentan retratos de niños desnudos que algunos consideran pornografía infantil . En una aparece una niña desnuda saltando sobre una mesa. Otra muestra a un niño desnudo con una sustancia líquida desconocida y con los genitales al descubierto. La muestra colectiva 'Diaries of Home' presenta las obras de 13 mujeres y artistas no binarias que exploran los «conceptos multidimensionales de familia, comunidad y hogar» a través de la fotografía documental. Son: Patty Chang, Jess T. Dugan, LaToya Ruby Frazier, Nan Goldin, Debbie Grossman, Letitia Huckaby, Deana Lawson, Laura Letinsky, Sally Mann, Arlene Mejorado, Catherine Opie, Laurie Simmons y Carrie Mae Weems. El museo advierte que la exposición «presenta temas para adultos que pueden resultar sensibles para algunos espectadores». La exposición permanecerá abierta hasta el 2 de febrero. Las fotografías de Sally Mann no estarán expuestas mientras dure la investigación. Sally Mann, nacida en Lexington, Virginia, en 1951, fue becaria Guggenheim y en 2001 la revista 'Time' la nombró mejor fotógrafa de Estados Unidos . Durante más de 40 años, Sally Mann ha realizado fotografías experimentales que exploran temas como la memoria, el deseo, la muerte, los vínculos familiares... Ha habido en otros museos de Estados Unidos acusaciones de pornografía infantil y pedofilia contra obras de arte. Fue el caso de 'Thérèse soñando', de Balthus en el Metropolitan de Nueva York. En 2017 una visitante del museo protestó por considerarla escandalosa. Se recogieron más de 12.000 firmas para que el museo lo retirara de sus salas. No lo hizo.

9. Una acuarela enviada al servicio de tasación online de Christie's resultó ser una preciada obra de Turner

   Una acuarela enviada por un particular al servicio de tasación online de la sala Christie's resultó ser una preciada obra de JMW Turner y saldrá a la venta por entre 300.000 y 500.000 dólares en la subasta de dibujos británicos y antiguos maestros de Christie's en Nueva York. La obra, conocida actualmente como 'El acercamiento a Venecia' o 'Venecia desde la Laguna' (alrededor de 1840), representa una tormenta que se aproxima y había pertenecido a la familia del ingeniero y coleccionista inglés Haddon C. Adams desde alrededor de 1930. En esa época, todavía estaba catalogada como obra de Turner, pero posteriormente se creyó que había sido pintada por el erudito inglés John Ruskin , informa 'The Art Newspaper'. «La imagen era pobre y la pintura estaba detrás de un cristal viejo, que tenía un tinte verdoso», dice Rosie Jarvie, especialista de Christie's en dibujos y acuarelas británicas. Sin embargo, «tenía un instinto, por las pinceladas fuertes, la economía de líneas y la paleta, que realmente necesitábamos ver esto correctamente». La mayor parte de las acuarelas de Turner permanecieron en su poder hasta su muerte en 1851 y luego pasaron a formar parte de la colección nacional del Reino Unido, como parte del legado Turner . Sin embargo, algunas permanecieron en manos de su marchante, Thomas Griffith (1795-1868), incluida la obra de Christie's. Un análisis posterior y un examen realizado por el historiador especializado Peter Bower confirmaron que esta obra se realizó en el mismo tipo de papel que muchas de las vistas de Venecia del artista incluidas en el legado Turner. La reatribución de la obra recibió el visto bueno del experto Ian Warrel. Las acuarelas de Turner se han vendido por mucho más de las estimaciones. «Como Turner, la obra vale aproximadamente diez veces más que como Ruskin», dice Jarvie. Por otra parte, Christie's ofrecerá en las próximas semanas otra obra que pasó por su servicio de tasaciones online. Un retrato de dos caras del retratista popular Ammi Phillips de alrededor de 1815, encontrado en un almacén en California antes de ser enviado a la web de Christie's, será uno de los atractivos de la subasta de arte americano que se celebrará el 24 de enero (40.000-80.000 dólares).

10. Identifican a María Magdalena en el 'Juicio Final' de la Capilla Sixtina

    Es un descubrimiento fascinante. Por primera vez, la figura femenina más misteriosa y, seguramente, una de las más discutidas del cristianismo, María Magdalena , ha sido identificada junto a Cristo Redentor en 'El Juicio Final' de Miguel Ángel , pintado al fresco en la Capilla Sixtina del Vaticano , cuyas paredes cuentan la historia del cristianismo desde el Génesis hasta el Apocalipsis. El anuncio de este hallazgo fue realizado por la restauradora y apasionada del arte Sara Penco , autora del volumen 'María Maddalena en el Juicio de Miguel Ángel' (Scripta Maneant Editore), en una rueda de prensa en Roma. Su investigación aporta una interpretación inédita en relación con 'El Juicio Final', una de las cumbres del arte renacentista y universal. Miguel Ángel Buonarroti (Caprese, Toscana, 1475-Roma, 1564) , el genio renacentista cuyas creaciones redefinieron los límites del arte, es conocido por haber concebido obras inmortales como el 'David', la 'Piedad' o el 'Moisés'. A través de su dominio técnico y de su profunda comprensión de la anatomía, logró capturar no solo la forma humana, sino también las complejidades del alma. En cada golpe de cincel y trazo de pincel, Miguel Ángel plasmó su infatigable búsqueda de la perfección y su conexión con lo divino. Todo ello se ve reflejado y vuelve a ser centro de atención siglos después gracias a la nueva investigación de Sara Penco sobre 'El Juicio Final' o 'El Juicio Universal'. Pintado entre 1536 y 1541 tras el altar de la Capilla Sixtina, en el fresco hay más de 300 figuras , cada una cuidadosamente diseñada para transmitir emociones, tensión y drama. La composición central muestra a Cristo como juez supremo , flanqueado por la Virgen María, los santos y los apóstoles. Por encima, los ángeles portan los símbolos de la Pasión, como la cruz; en la parte inferior, los condenados son arrastrados al infierno. Este contraste entre la gloria celestial y el tormento infernal no solo subraya el destino final de la humanidad, sino que también refleja las preocupaciones teológicas y personales de Miguel Ángel. Además, el fresco tiene la capacidad de evocar una profunda reflexión espiritual y constituye un testimonio de la maestría técnica del artista: la anatomía precisa, la dinámica de las posturas y la expresividad de los rostros revelan su profundo conocimiento del cuerpo humano y su capacidad para infundir vida a la pintura. Quinientos años después de la creación del fresco, Sara Penco ha identificado a María Magdalena, quien hasta ahora había permanecido esquiva entre el enjambre de figuras que aparecen en la pared tras el altar. Para la investigadora, la pecadora redimida habría sido demasiado importante en la cosmovisión cristiana de Miguel Ángel como para dejarla fuera de su obra cumbre. La presencia de María Magdalena en la obra maestra del artista ya había sido planteada como hipótesis -sin una identificación inequívoca- por el padre Heinrich Pfeiffer , un sacerdote jesuita y reconocido historiador del arte alemán especializado en iconografía cristiana. Sin embargo, ha sido Sara Penco quien, por primera vez, identifica y fundamenta su hallazgo, proponiendo una nueva clave para entender la obra. Según Penco, la Magdalena destaca por varios elementos clave: su vestimenta de un amarillo intenso, su cabello rubio y su proximidad a la cruz . Estos atributos, combinados con la posición de la figura junto a Cristo, sugieren una identidad que la investigadora confirma como la de la mujer que fue testigo de la resurrección de Jesús y primera anunciadora de ese milagro a los apóstoles. El color amarillo del vestido es uno de los argumentos más contundentes que Penco ofrece. Durante el Renacimiento, este color se asociaba co n la traición, la locura y el pecado , un reflejo de la imagen ambivalente que acompaña a María Magdalena en la iconografía cristiana. Sin embargo, también se la representaba en rojo, el color de la redención. Este contraste cromático, según Penco, simboliza la posibilidad de salvación ofrecida a los pecadores. Más allá del color, la posición de la figura es reveladora: besa la cruz con devoción , mientras Cristo la contempla con una expresión que combina ternura y compasión. Este detalle estético, fiel a los relatos bíblicos en los que María Magdalena acompaña a Jesús durante la Pasión y la Crucifixión, refuerza su identificación. Uno de los aspectos más fascinantes que Penco destaca es la dirección de la mirada de la figura. Mientras otros personajes del fresco dirigen su atención a Cristo o al cielo, esta mujer mira directamente al espectador. Este gesto, cargado de significado, parece invitar a la reflexión personal sobre el pecado, la redención y la relación con lo divino. «María Magdalena es una pecadora acogida por Cristo y encaminada hacia la salvación», escribe Asia Graziano, enfatizando que la posición de la Magdalena junto a la cruz es un mensaje universal de esperanza. «Estoy firmemente convencida de que se trata de María Magdalena: por su proximidad a la cruz, el vestido amarillo y el cabello rubio, pero también por todo el contexto en el que Miguel Ángel coloca a esta figura para subrayar su importancia», dijo Penco en la presentación del libro que recoge su investigación. El Juicio Final no solo es una declaración de fe, sino también un testimonio de la lucha interna del propio Miguel Ángel. Conocido por su tormento espiritual y su preocupación por el pecado, el artista proyecta en 'El Juicio Final' un mensaje de redención personal . María Magdalena, como figura redimida, encarna este mensaje de esperanza. En definitiva, el hallazgo de Sara Penco invita a una relectura de 'El Juicio Final' y enriquece nuestra comprensión -del pensamiento teológico y artístico de Miguel Ángel. Desde luego, la Capilla Sixtina no deja de sorprendernos. Además de la identificación de María Magdalena, investigaciones recientes han destacado otras figuras que habían pasado desapercibidas o cuya interpretación se ha revisado en los últimos años. Por ejemplo, se ha identificado a una mujer con posibles signos de cáncer de mama en el fresco, basándose en detalles anatómicos minuciosos, como bultos en el pecho. Este hallazgo ha sido interpretado como una muestra del interés de Miguel Ángel por la anatomía humana y su habilidad para incorporar observaciones científicas a su arte. El descubrimiento de María Magdalena en la Capilla Sixtina también ofrece una ventana a las obsesiones y creencias del genio del Renacimiento. El trabajo de Sara Penco nos recuerda que el arte tiene la capacidad de sorprender, desafiar y conmover siglos después de su creación. Con su colosal visión del Apocalipsis , Miguel Ángel no solo transformó la Capilla Sixtina, sino también la forma en que entendemos el arte como una expresión de lo humano y lo divino.