ABC - Arte

1. España salda una deuda histórica con Maruja Mallo, la pintora surrealista que rompió moldes

   Su verdadero nombre era Ana María Gómez González, aunque lo cambió por Maruja Mallo (Vivero, Lugo, 1902-Madrid, 1995) . Una mujer de bandera, singular y fascinante, que rompió moldes. Con alma de meiga y porte de pitonisa, tenía una personalidad arrolladora : arrebatada y menuda, moderna, culta, carismática , extravagante, cosmopolita, transgresora, excéntrica , divertida, independiente, rebelde, libre... Deportista (le gustaba nadar y montar a caballo), fumaba, vestía con colores llamativos y se pintaba como una puerta para convertirse ella misma en una obra de arte. Se resistía a que las mujeres solo pudiesen ser musas o amantes de los artistas. Para muchos, es la mejor artista española del siglo XX . Y eso es mucho decir. El Centro Botín... Ver Más

2. Las ventas en el mercado mundial del arte bajaron un 12% en 2024

   Las ventas en el mercado mundial del arte disminuyeron un 12% el año pasado, alcanzando una cifra estimada de 57.500 millones de dólares. Así se desprende del Informe sobre el mercado del arte de Art Basel y UBS 2024 , realizado por Clare McAndrew . Tras una sólida recuperación pospandemia hasta 2022, este año marcó la segunda desaceleración de las ventas. El principal lastre para el crecimiento fue el segmento de alta gama del mercado, que se redujo significativamente en 2023 y 2024, lo que generó valores agregados más bajos, a pesar del aumento de las ventas en algunos segmentos de menor precio. A pesar de la caída del valor, el número de transacciones que tuvieron lugar en el mercado mundial del arte creció un 3% , hasta los 40,5 millones en 2024. La continua expansión de las ventas en el mercado en los últimos dos años reflejó una mayor actividad en los segmentos de menor precio y más asequibles tanto para los comerciantes como para las casas de subastas, que continuaron ganando impulso a medida que los récords de precios y las ventas de alta gama se desaceleraron. Estados Unidos mantuvo su posición como principal mercado de arte a nivel mundial, representando el 43% de las ventas globales en valor, lo que supone un aumento del 1% interanual. El Reino Unido recuperó su posición como segundo mercado más grande con el 18 (un aumento del 1%), mientras que China (incluyendo China continental y Hong Kong) disminuyó su participación un 4%, situándose en tercer lugar con el 15%. Tras una de las recuperaciones más sólidas de todos los mercados, las ventas en EE.UU. disminuyeron un 9%, hasta los 24.800 millones de dólares, en 2024, debido a que la incertidumbre política en torno a las polémicas elecciones presidenciales y otros factores contribuyeron a una desaceleración continua en el punto álgido del mercado. Este fue su segundo año consecutivo de caídas en los valores, tras una caída del 10% en 2023, pero se mantuvo un 18% por encima del mínimo de 2020 provocado por la pandemia. Las ventas en el Reino Unido alcanzaron los 10.400 millones de dólares en 2024, un 5% menos que en el mismo periodo del año anterior, pero recuperaron el segundo puesto a nivel mundial debido al peor desempeño de las ventas en China. Al igual que en EE.UU., el mercado británico experimentó una desaceleración en los segmentos de alto precio, situándose un 15 % por debajo de su tamaño prepandemia en 2019, aunque aún un 5 % por encima de los valores de 2020. Tras una caída del 14 % en 2022 durante los estrictos confinamientos por el Covid, las ventas en China repuntaron en 2023, contrarrestando la tendencia a la baja, aumentando un 9%, hasta alcanzar una cifra estimada de 12.200 millones de dólares. Sin embargo, este repunte fue temporal y, en un contexto de menor crecimiento económico, una continua caída del mercado inmobiliario y otras incertidumbres económicas, el mercado del arte experimentó una fuerte caída del 31%, hasta los 8.400 millones de dólares en 2024, su nivel más bajo desde 2009. Las ventas 'online' disminuyeron un 11% hasta los 10.500 millones de dólares en 2024, una cifra inferior a la de los últimos cuatro años, pero aún un 76% superior a la de 2019 antes de la pandemia. La participación del comercio electrónico en las ventas totales del mercado del arte se mantuvo estable interanual en el 18%, por debajo del pico del 25% en 2020, pero el doble de la participación de 2019 o de cualquier año anterior. En el sector de subastas , tras un año difícil en 2024, el optimismo sobre las ventas en 2025 entre las casas de subastas de nivel medio seguía siendo relativamente moderado. Al preguntarles cómo predecían que se comportarían sus ventas en los próximos 12 meses, solo el 15% esperaba una mejora, frente al 38% en 2023. Si bien el 45% creía que las ventas se estabilizarían, un significativo 40% de los encuestados pronosticó una disminución.

3. PhotoEspaña 2025 reivindica el poder crítico y transformador de la fotografía

   'Después de todo' es el título de la XXVIII edición de PhotoEspaña , una reflexión sobre la imagen como testigo y herramienta frente a los grandes desafíos contemporáneos. Desde la memoria histórica hasta la justicia climática o las nuevas identidades, el festival reivindica el poder crítico y transformador de la fotografía en un tiempo marcado por la incertidumbre. Y 'Después de todo' es también el título de una exposición colectiva que rendirá homenaje al legado de Helga de Alvear . La muestra, con fondos de su colección, recorre un siglo de transformación del paisaje europeo a través de la arquitectura y la fotografía, desde Eugène Atget hasta la Escuela de Düsseldorf. Por primera vez, el festival incorpora la figura del país invitado y dedica una sección especial a Chile , con exposiciones de Lotty Rosenfeld, Julia Toro, Michael Mauney y Martin Gusinde. Cuatro miradas que abordan la disidencia política, la memoria visual y las culturas ancestrales desde el archivo, el testimonio y la resistencia. El festival, cuya programación se ha presentado este martes en el Círculo de Bellas Artes, reivindica el valor documental y simbólico de la imagen como materia prima de la memoria democrática. Marisa Flórez y Rui Ochoa protagonizan dos exposiciones que recorren cinco décadas de historia política, social y cultural en España y Portugal desde la Transición hasta nuestros días. Además, refuerza su presencia en el corazón museístico de la capital, recuperando el eje Prado–Castellana con la participación de espacios clave como el Prado y el Thyssen - mostrará obras de Isabel Coixet- , que se suman de nuevo a la programación. Por primera vez, entran en la Sección Oficial el Museo Nacional de Antropología y el Museo Arqueológico Nacional , ampliando el diálogo entre patrimonio histórico y creación contemporánea. Completan este recorrido cultural instituciones ya consolidadas en el Festival como el Círculo de Bellas Artes, la Fundación Mapfre, el Teatro Fernán Gómez- Centro Cultural de la Villa, la Fundación Canal o la Sala Canal de Isabel II. La edición 2025 reúne a figuras fundamentales de la historia y del presente de la fotografía mundial. Desde leyendas com o Julia Margaret Cameron, Dora Maar, Ruth Orkin o Edward Weston , hasta autores contemporáneos de referencia como Duane Michals, Joel Meyerowitz , Graciela Iturbide o Ayana V. Jackson. La programación ofrece así un recorrido por distintas épocas, estilos y miradas, conectando la memoria visual del pasado con las prácticas más actuales. PhotoEspaña celebra la riqueza y pluralidad de la fotografía nacional con autores que representan distintas generaciones y lenguajes. Desde los paisajes simbólicos de José Guerrero al universo crítico y performativo de Miss Beige, pasando por figuras clave como Nacho Criado, Joan Fontcuberta o Isidro Ferrer, el festival reivindica el fuerte impulso de la creación visual en nuestro país. PhotoEspaña continúa su alianza con Patrimonio Nacional y Acciona con una nueva entrega de 'Cuadernos de campo' , un proyecto trienal que invita a grandes fotógrafos a dialogar con los espacios naturales e históricos de los Reales Sitios. En esta edición, Bleda y Rosa exploran el Monasterio de Yuste y las conexiones de Carlos V con la astronomía, la botánica y la ingeniería renacentista, en un proyecto que fusiona tiempo y naturaleza titulado Las horas del sol. La inauguración del resultado de su trabajo en la Galería de las Colecciones Reales coincide con la inauguración oficial del festival, que se celebra por primera vez en los Jardines del Campo del Moro . Se refuerza su compromiso con la creación joven con PhotoEspaña Pro Talento a bordo, un programa desarrollado junto a Iberia, dirigido a potenciar el desarrollo profesional de destacados creadores visuales españoles e internacionales. El Festival Off consolida su peso dentro del festival con la participación de más de 40 galerías de arte. A este recorrido tradicional, se sumará por primera vez, un nuevo Circuito Abierto que permitirá descubrir en septiembre espacios expositivos alternativos de Madrid. Además, amplía su mapa geográfico con programación en ocho ciudades españolas. Toro se incorpora por primera vez con el encuentro La Hispanolusa, impulsando el diálogo artístico entre España y Portugal. Segovia y Valencia regresan con nuevas sedes: el Palacio Quintanar y el Espacio de Fotografía José Luis Soler en Bombas Gens, respectivamente. También estarán presentes Alcalá de Henares, Barcelona, Zaragoza, Santander -con exposiciones en junio por primera vez- y Altamira, que continúa su participación con un proyecto de Isabel Muñoz . PhotoEspaña presenta la segunda temporada de '¿Qué miras?' , la serie documental producida por La Fábrica y CaixaForum+ con la colaboración de Magnum Photos . Dirigida al público joven, la nueva entrega reflexiona sobre temas como comunidad, naturaleza o memoria, a través de la fotografía y con una mirada inclusiva y crítica.

4. El Museo ABC saca del olvido a José Robledano, gran cronista de Madrid

   Amigo de Valle-Inclán y de Jacinto Benavente, podría haber sido actor de teatro. Gran aficionado a los toros y amigo de matadores, pudo ser torero y banderillero. Y muchas cosas más, pero acabó siendo escritor, humorista, profesor de dibujo y, sobre todo, pintor e ilustrador. Fue uno de los pioneros de la historieta española , un superviviente con nostalgia de un Madrid que había dejado de existir. Su ciudad natal fue la gran protagonista de sus trabajos. No en vano, se le considera el mejor cronista gráfico de la ciudad durante el primer tercio del siglo XX. Nació en una casa de la calle Goya, en el barrio de Salamanca, y murió a los 89 años en la calle Ríos... Ver Más

5. Un Derain del Thyssen recupera la luz y el color originales gracias a una campaña de micromecenazgo

   Este jueves amaneció Madrid con un tiempo típicamente londinense (gris, lluvioso), mientras lucía un sol radiante en una vista de Londres pintada por André Derain , que cuelga en el Museo Thyssen . El mundo, al revés. 'El puente de Waterloo' (1906) , una de las joyas de pintura moderna de la pinacoteca, ha sido restaurada y cuelga espléndida en un caballete, junto a un vídeo sobre el proceso de la restauración de la obra, en un montaje especial en la sala 33, hasta el 23 de junio. Los trabajos, que se prolongaron durante quince meses, se llevaron a cabo gracias a una campaña de micromecenazgo organizada con el apoyo de Mastercard, empresa que colabora con el museo en la apertura gratuita de la colección permanente todos los lunes. La campaña de 'crowdfunding' se abrió de septiembre de 2023 a enero de 2024. Participaron más de 200 particulares y empresas, incluidos los Amigos del Thyssen y Mastercard. A lo largo de cuatro meses, se recaudaron más de 23.000 euros , dedicados a su restauración y estudio técnico. Antes de comenzar la restauración se llevó a cabo un exhaustivo estudio del lienzo (radiografías, reflectografía infrarroja, análisis de los materiales...), que ha desvelado curiosidades como que el pintor francés empleaba pinceladas de colores puros con mucho volumen, empastes gruesos (el cielo y el sol tienen mayor grosor), pero dejaba zonas del lienzo de lino (de Winsor & Newton, según reza en un sello en el reverso) sin apenas pintura, con la capa de preparación a la vista , lo que aumenta la luminosidad de la obra. En la zona central del cuadro (la silueta del puente y la ciudad) la pintura es más fina. Todo ello ha complicado los trabajos. Ha habido que ser especialmente minuciosos, pues era muy delicado. Susana Pérez , responsable de la restauración de la obra y nueva jefa del taller de restauración del Museo Thyssen, desveló los pormenores de los trabajos. Explica que los estudios técnicos «nos han ayudado a entender la personalidad de Derain. Hizo muchos trabajos preparatorios , algunos de los cuales incluyen textos. Creemos que hizo mucho trabajo previo al aire libre, que después desarrolla en su taller». Hay dudas de si comenzó a pintar la obra en Londres o se llevó el lienzo a Francia. El cuadro, dice, estaba «bastante sucio», debido al polvo y la contaminación acumulados en la superficie de la pintura y a los barnices envejecidos que amarillean y desvirtúan la lectura del cuadro. Un trabajo complejo debido a los diferentes volúmenes y densidades. Como comenta Susana Pérez, cada pigmento reacciona de manera distinta a los disolventes y la capa de preparación es muy sensible al estar expuesta. El lienzo que empleó Derain tiene los bordes cortados de forma irregular y una capa blanca de preparación comercial. Pudo comprar la tela preparada, cortarla a mano y clavarla en el bastidor. El lienzo está sujeto a un bastidor móvil con un travesaño vertical para reforzar su estructura. Destaca la riqueza de colores empleada en este lienzo: verde esmeralda, azul ultramar... Derain pertenecía al grupo de los fauvistas (pintores fieros que usaban colores intensos). Se valía de los contrastes de color para conseguir volumen y profundidad. En su paleta, fríos verdes y azules junto a vibrantes rojos, amarillos y anaranjados . El soporte presentaba daños estructurales, especialmente en el perímetro de la obra, comenta la restauradora, que estaba en mal estado, con bordes desgarrados : «Ha habido que suturar los desgarros y reforzar y devolver la tensión al lienzo para que no se desprendiera la pintura». El reto de la restauración, recuperar la luz y el color originales . Los estudios y análisis del cuadro detectaron que Derain apenas hizo cambios en la composición. La pintura final es casi similar en forma y color a un dibujo preparatorio. Comentaba Derain en una carta a un colega que hacía un calor terrible y el sol caía a plomo en Londres. ¿Por qué estaba en la capital británica? Según Guillermo Solana , director artístico del Museo Thyssen, el pintor expuso en el Salón de Otoño de París en 1905 y el marchante Ambroise Vollard compró toda su obra. Además, le encargó viajar a Londres para pintar vistas de la ciudad, al igual que hizo Monet por encargo de Paul Durand-Ruel . El cuadro muestra una panorámica del antiguo puente de Waterloo visto desde Victoria Embankment, con Whitehall Court al fondo a la derecha y las chimeneas industriales del Baltic Wharf en la orilla sur del río, en la parte izquierda. Es el Londres más célebre y visitado por los turistas , con atracciones como Westminster, el Big Ben... «La orilla norte concentraba los edificios más distinguidos, mientras que la sur era la zona industrial, deprimida y caótica. En el cuadro de Derain, los edificios de ambas orillas se confunden en un mismo 'skyline' », advierte Solana. Entre 1906 y 1907, Derain pintó treinta vistas de Londres , con distintas técnicas. Usa el puntillismo, pero con características propias: las teselas son más grandes y dinámicas, los contrastes de color son más intensos... «Hace un uso del color más expresionista». « Londres, bajo una explosión solar gozosa o amenazadora». Así describe Guillermo Solana el cuadro: «No vemos el sol, pero pinta una cascada de luz en llamas que lo enciende todo. Derain pone el color como sale de los tubos de pintura, sin manipular, en la tela desnuda. Es una tela manchada. Nada más que eso», concluye Solana. Por su parte, Evelio Acevedo , director gerente de la pinacoteca, destaca que una de las misiones del museo es el mantenimiento y la conservación del patrimonio . Subraya el respaldo social con este 'crowdfunding', aunque recuerda que no es el primero que se hace en el Thyssen. Ya se hizo uno de diciembre de 2018 a diciembre de 2019, con la restauración y el estudio técnico de 'La Plaza de San Marcos en Venecia', de Canaletto . Bajo el lema 'Protege lo que nos hace humanos', más de 600 donantes colaboraron con el museo en su primera campaña de micromecenazgo. El cuadro fue dividido en 1.000 fragmentos . Cada donante pudo seleccionar qué parte de la obra apadrinaba con su aportación.

6. Sale a la venta un cuadro de William Turner descubierto en Viena

   La galería austriaca Artziwna ofrece a la venta por 38 millones de euros un cuadro recientemente redescubierto del pintor británico William Turner (1775-1851). Se trata de la primera versión de ' Venecia, vista desde el Canal de la Giudecca, con la Iglesia de Santa Maria della Salute ', un clásico del artista romántico que se encuentra en el Victoria & Albert Museum de Londres. La obra, creada alrededor de 1840 , se encontraba hasta ahora en manos de particulares en Viena, según informa este lunes el medio austríaco Kronen Zeitung , aunque no se ha podido determinar su procedencia en sus primeros años ni el momento en el que llegó a la capital austriaca. Según informó la galería en otoño, en 1980 se documentó su compra por uno de los anteriores propietarios en Viena. En 2005, su actual dueño lo adquirió de un coleccionista privado austriaco. El nuevo propietario lo puso a disposición de la investigación científica, que determinó que se trataba de un cuadro al óleo del pintor británico. Su dueño ha decidido vender el cuadro, de aproximadamente 60 por 90 centímetros, directamente a través de la galería en lugar de hacerlo en una subasta . Todavía no hay ningún interesado en la obra que analizaron expertos como el conservador del Belvedere, Franz Smola, y Katja Sterflinger, directora del Instituto de Ciencia y Tecnología en el Arte de la Academia de Bellas Artes de Viena. « Todas las investigaciones científicas demuestran que sólo puede ser un cuadro de Turner », afirmó Smola.

7. Hallan bajo una pintura de Joan Miró un retrato de su madre realizado por otro artista

   El equipo de investigadores de la Fundación Joan Miró , liderado por Elisabet Serrat, ha descubierto un retrato de Dolors Ferrà Oromí, madre del artista , bajo la obra 'Pintura' (1925-1927) . Este descubrimiento ha sido posible gracias a la aplicación de técnicas científicas no invasivas, como la radiografía, la fotografía infrarroja y la imagen hiperespectral, entre otras, por parte del equipo de investigadores de la Fundación. Con el objetivo de acercar este descubrimiento al público y hacerlo más accesible, la Fundación Joan Miró presenta el documental 'El secreto de Miró' –una producción de la Fundación Joan Miró con la colaboración de la Fundación 'la Caixa'–, acompañado de la exposición 'Bajo las capas de Miró. Una investigación científica' . Ambas propuestas permiten explorar en detalle este retrato subyacente y las innovadoras técnicas científicas empleadas para ponerlo al descubierto. Esta iniciativa refuerza el compromiso de la Fundación Joan Miró por dar a conocer los procesos de trabajo e investigación de la institución y hacerlos más accesibles. En particular, pone en valor la labor del Departamento de Conservación Preventiva y de la Colección, acercando al público las metodologías, el trabajo de investigación y el estudio de las obras. Entre los años 1925 y 1927 Joan Miró realizó 'Pintura', un óleo sobre lienzo que regaló y dedicó a su amigo Joan Prats , que lo conservó en su casa hasta 1975, cuando pasó a formar parte de la colección de la Fundación Joan Miró de Barcelona. En un informe de restauración fechado en 1978 que se conserva en la Fundación, se describía el mal estado de conservación de esa obra debido a la presencia de pequeñas pérdidas y agrietados . Junto a este informe, se conserva también la primera radiografía que se hizo, que revelaba la presencia de un retrato subyacente que en aquel momento no pudo identificarse. Recientemente, el equipo de investigadores de la Fundación Joan Miró de Barcelona ha llevado a cabo un nuevo estudio científico mediante las técnicas no invasivas más innovadoras para el estudio del patrimonio cultural. Esta investigación ha permitido obtener una imagen del retrato subyacente con tal nivel de detalle que ha podido identificarse como Dolors Ferrà Oromí, madre de Joan Miró. El estudio ha contado con la colaboración de entidades como el Centro de Restauración de Bienes Muebles de Cataluña (CRBMC) y la Universidad Pablo de Olavide de Sevilla (UPO), así como la Fundació Mas Miró y la Fundació Miró Mallorca. Las técnicas de análisis no invasiva empleadas se han basado, principalmente, en técnicas de imagen que utilizan varios rangos de radiación electromagnética, como la fotografía con luz visible rasante y luz transmitida, luz ultravioleta y luz infrarroja (anverso y reverso), la radiografía y la imagen hiperespectral. Para conocer los materiales presentes en las capas pictóricas, se ha completado el estudio con la espectroscopia infrarroja (FTIR), la microscopia electrónica de rastreo con detector de energías dispersivas de rayos X (SEMEDX), la fluorescencia de rayos X (FRX) y la cromatografía de gases-masas (CG/MS). A través de este estudio han podido conocerse nuevos detalles del proceso creativo de Miró, lo que ha permitido confirmar que, para la obra 'Pintura', usó como soporte un lienzo con un retrato pintado por otro artista . No se trata de la única obra en la que Joan Miró reutiliza pinturas de otros artistas para pintar encima de ellas, pues entre los años cuarenta y cincuenta lo hizo sobre retratos, y entre los años sesenta y setenta, sobre paisajes. En ambos casos, siempre dejando una evidencia de las pinturas subyacentes, pinturas académicas que siempre dejaba parcialmente al descubierto a fin de poner de manifiesto su postura crítica respecto a este tipo de pintura, que consideraba vacía de contenido. Con estas acciones, la historiografía entiende que el posicionamiento crítico de Miró hacia la pintura imitativa persistió desde que en los años veinte manifestara a Raynal su deseo de «asesinar la pintura» . El equipo de investigadores de la Fundación Joan Miró detectó, observando con luz rasante, ciertos relieves visibles en la superficie de la obra 'Pintura', que han podido identificarse como el broche y los pendientes del retrato subyacente de Dolors Ferrà Oromí. Se trata de relieves que Joan Miró podría haber eliminado fácilmente, pero que decidió conservar como manifestación de la materia que surge desde debajo. Por lo tanto, pese a que la reutilización de este lienzo podría responder meramente a un hecho práctico, la voluntad de Miró de cubrir deliberadamente la pintura académica nos lleva a preguntarnos por su intención de cuestionar la «pintura de caballete». Completando la información radiográfica y la fotografía infrarroja, la aplicación de la imagen hiperespectral ha permitido ampliar la información sobre el proceso creativo llevado a cabo por Miró y estudiar la dirección de sus pinceladas, tanto en la aplicación de la preparación (verticales) como de la pintura azul (horizontales). Los estudios estratigráficos han mostrado que la obra está compuesta por al menos siete capas . Mediante técnicas analíticas han podido conocerse los materiales empleados en cada una de ellas. Las cinco inferiores están formadas por una capa de preparación a base de blanco de plomo y cuatro capas pictóricas que contienen, principalmente, pigmentos tierra, amarillo cadmio, negro carbón, azul cobalto y blanco de cinc. Sobre ellas, Miró aplicó una preparación de blanco de cinc y barita y la capa más externa de color, a base de azul cobalto y algo de amarillo cadmio. El aglutinante empleado es el aceite. Por su parecido, tanto en términos estilísticos como de técnica, con otro retrato que se encuentra en Son Boter, este retrato podría haber sido pintado por Cristòfol Montserrat Jorba (Vilanova i la Geltrú, 1869-Barcelona, 1935), un pintor catalán especializado en el género del retrato. El proceso de investigación ha sido filmado, y el documental se convierte en una herramienta indispensable para comprender en profundidad este descubrimiento y su significado. El documental 'El secreto de Miró' sigue la investigación de Elisabet Serrat, jefa de Conservación Preventiva y Restauración de la Fundación Joan Miró, que, mediante técnicas avanzadas de análisis, descubre que bajo la capa pictórica visible se esconde un retrato inédito de Dolors Ferrà Oromí, madre de Miró. Este descubrimiento abre nuevas perspectivas sobre la evolución artística del pintor en un momento en el que abandonaba el academicismo. El documental, dirigido por Lluís Jené y con la producción ejecutiva de Valti Roda, profundiza en este enigma y explora las posibles razones que llevaron a Miró a ocultar la imagen de su madre. El documental se estrena este jueves en la plataforma CaixaForum+ y en los canales digitales de la Fundación Joan Miró. 'El secreto de Miró' es el cuarto de los documentales que han visto la luz gracias a la colaboración entre las fundaciones 'La Caixa' y Miró, después de los estrenos de 'Los tapices de Miró. Del hilo al mundo', 'Miró íntimo' y 'Sert/Miró. Trazado por la luz'. Con el objetivo de compartir este descubrimiento con el mundo, la Fundación Joan Miró inaugurará mañana la exposición 'Bajo las capas de Miró. Una investigación científica', que permitirá ver en primera persona la obra 'Pintura' y conocer el proceso de investigación. Además, proporciona una nueva y sorprendente visión sobre la historia del cuadro antes de la intervención de Miró, y revela aspectos desconocidos hasta el momento sobre su conservación. La exposición podrá visitarse en la sala 14 de la Fundación Joan Miró del 27 de marzo al 29 de junio de 2025 . Se completa con 'Retrato de Dolors Ferrà Oromí', del artista Cristòfol Montserrat, fechado en 1907. Esta obra presenta grandes similitudes con el retrato oculto bajo 'Pintura', lo que ha permitido su identificación. La muestra incluye también dibujos preparatorios que realizó Joan Miró entre los años 1924 y 1926 para esta obra, así como anotaciones originales de Miró con listas de materiales que tenía en su taller, entre los que se mencionan los pigmentos hallados en esta obra. Por otra parte, la exposición permitirá ver las imágenes obtenidas con fotografía infrarroja y rayos X, y en una pantalla se mostrará cómo, a medida que se avanza por diferentes longitudes de onda, la cámara hiperespectral permite hacer visible lo que era invisible para el ojo humano.

8. El renacimiento de la Capilla Brancacci

   Una partícula verde del tamaño de una lágrima se había desprendido y rodó por las paredes de la capilla hasta llegar al suelo. La voz de alarma sacudió el cielo florentino con la violencia del trueno. Aquel fragmento de yeso pictórico formaba parte del baldaquino que, hacia 1484, Filippino Lippi había pintado para coronar la escena de ' La disputa con Simón Mago ', en el nivel inferior de la Capilla Brancacci. La también llamada 'Capilla Sixtina florentina' había sido pintada al fresco por Masolino y Masaccio iniciando el primer Renacimiento entre 1424 y 1427, y medio siglo más tarde completada por Filippino Lippi . Se encuentra en el transepto derecho de Santa Maria del Carmine, la iglesia que, con... Ver Más

9. El Vaticano descubre una obra de Andrea Mantegna olvidada en un santuario de Pompeya

   El Vaticano expondrá desde este jueves una obra «redescubierta» de Andrea Mantegna (1431-1506) que acaba de restaurar. Hasta hace poco estaba en una capilla del Santuario de Pompeya , cerca de Nápoles, y se atribuía a un autor desconocido. Se trata de un magnífico 'Traslado de Cristo al sepulcro' , que había sufrido varias restauraciones de baja calidad que escondían la fuerza del dibujo original. Fue descubierto gracias a la tenacidad de un profesor universitario que desde hacía años seguía su rastro. El profesor napolitano Stefano De Mieri , de la Universidad Suor Orsola Benincasa, cuenta al diario 'Avvenire' que llevaba años siguiendo su rastro, pues se menciona en una carta de 1524 del humanista Pietro Summonte a Marcantonio Michiel.... Ver Más

10. El Maestro del Blue Jeans: el pintor de la tela vaquera en el siglo XVII

    Entre las muchísimas curiosidades de la 38 edición de Tefaf, la feria de Maastricht , una de ellas la encontramos en la galería Canesso . Se trata de un cuadro del siglo XVII del llamado Maestro del Blue Jeans . En él, una de las figuras luce ropa con tejido vaquero. Solo le falta la etiqueta de Levi Strauss. En 2010, una muestra inédita de arte en París sugería que la tela vaquera fue popular en Italia hacia 1670 , tres siglos antes de que James Dean la pusiera de moda y de que Brad Pitt subiera la temperatura con uno de ellos en 'Thelma y Louise'. Aquella exposición reunía ocho pinturas de un artista anónimo que trabajó en el... Ver Más