ABC - Arte

1. El director de un importante museo, acusado de desnudarse en pleno vuelo

   Echando un vistazo a las webs de la prensa especializada en arte hay estos días noticias cuanto menos llamativas. La que más ha llamado nuestra atención es una que publica Benjamin Sutton en 'The Art Newspaper'. Su titular: «El director del Art Institute de Chicago se encuentra de baja en medio de la investigación sobre un incidente aéreo«. James Rondeau , presidente y director del museo, se encuentra de baja voluntaria después de que trascendiera que, presuntamente, se quitó la ropa en un vuelo de Chicago a Múnich el mes pasado. La policía alemana fue llamada para acudir al aeropuerto de Múnich cuando un vuelo de United Airlines procedente de Chicago aterrizó en la ciudad alemana el 18 de abril. Según CBS News, primer medio en informar de la noticia, el incidente ocurrió después de que Rondeau tomara medicamentos y consumiera alcohol . Un portavoz del museo confirmó a 'The New York Times' que los hechos fueron así. Un portavoz del museo dijo a 'The Art Newspaper': «El Art Institute se toma esto muy en serio y ha abierto una investigación independiente sobre el incidente para recopilar toda la información disponible». Rondeau no ha hecho ninguna declaración sobre el incidente. Rondeau es director y presidente del museo norteamericano desde 2016 , pero trabaja en él desde 1998, primero como curador asociado de arte contemporáneo, luego como director del departamento de arte contemporáneo y, posteriormente, tras la fusión de los departamentos de arte moderno y contemporáneo, como director y curador del nuevo departamento. Como tal, participó en la inauguración del nuevo Ala Moderna del museo, diseñada por Renzo Piano, en su inauguración en 2009. En 2015, contribuyó a la mayor donación del museo hasta la fecha: un conjunto de 42 obras maestras modernas de los coleccionistas Stefan Edlis y Gael Neeson, valoradas en conjunto en 400 millones de dólares. En mayo de 2024, en medio de una ola mundial de protestas en el campus en solidaridad con Palestina, más de 80 estudiantes de la Escuela del Instituto de Arte (SAIC) y del Columbia College Chicago fueron arrestados tras formar un campamento en las instalaciones del museo (los cargos en su contra fueron posteriormente retirados). Y de Chicago... a Roma. Otra noticia increíble. Un turista estadounidense se cayó y quedó empalado en una valla metálica en el Coliseo de Roma el pasado viernes. El hombre, de 47 años y residente en Taiwán, se desmayó allí antes de ser rescatado por la policía local. Le perforó la columna vertebral y requirió 80 puntos de sutura , según el periódico italiano 'Il Messaggero', que informa que se encuentra hospitalizado en estado grave pero estable. Decenas de turistas observaban mientras el hombre esperaba ser rescatado, sangrando profusamente y gritando de dolor hasta perder el conocimiento. El incidente ocurrió alrededor de las 17:00 hora local. La ambulancia tardó 20 minutos en sacarlo de la valla, tras sedarlo, y fue trasladado al Hospital San Giovanni.

2. La inteligencia artificial le saca los colores a Gustav Klimt

   En 2017, Google Arts & Culture y la Galería Belvedere de Viena , que alberga la mayor colección de pinturas de Gustav Klimt del mundo, se embarcaron en la tarea de reconstruir los colores de las famosas pinturas que el artista realizó para el techo del Aula Magna de la Universidad de Viena entre 1898 y 1903 (las modificó hasta 1907) y que se destruyeron. A excepción de un detalle en color de 'Medicina', incluido en una monografía de Klimt de Max Eisler, de 1931, solo se conservan fotografías en blanco y negro de las tres obras. ¿Sería posible reconstruir, mediante inteligencia artificial, los colores originales de las conocidas como 'Pinturas de las Facultades' de Klimt ? Se pusieron manos... Ver Más

3. A subasta un Canaletto que perteneció al primer ministro británico Robert Walpole y estuvo colgado en el 10 de Downing Street

   La impresionante vista de Venecia de Canaletto , 'El regreso del Bucintoro en el día de la Ascensión' (hacia 1732), encabezará la subasta nocturna de antiguos maestros de Christie's el 1 de julio, durante la Semana Clásica de Londres. Parte con una estimación de más de 20 millones de libras . Ha aparecido solo en subasta dos veces en sus 300 años de historia: en 1751 y en 1993. La pintura se encuentra en un buen estado de conservación. Inaccesible para los académicos durante gran parte de su historia, solo recientemente se ha descubierto que la pintura colgaba en el número 10 de Downing Street , donde aparece registrada por primera vez en 1736, en la colección del primer primer ministro británico, Sir Robert Walpole (1676-1745) . Esta ilustre procedencia de principios del siglo XVIII la convierte, junto con su réplica del Gran Canal, en la obra más antigua registrada del maestro veneciano colgada en una casa inglesa, un cuarto de siglo antes de que el Rey Jorge III adquiriera los Canalettos del cónsul Joseph Smith. Extremadamente ambiciosa tanto en escala como en concepción, esta vista sumamente evocadora da testimonio del prodigioso talento y la técnica rigurosa de Canaletto, pintada en la cúspide de su carrera . Es su representación más antigua conocida de un tema al que volvería repetidamente, marcando el punto de partida para que Canaletto pintara tales festividades. Se exhibirá en Christie's Nueva York del 3 al 15 de mayo, seguida por Hong Kong del 22 al 28 de mayo, antes de regresar a Londres para la exposición previa a la venta del 27 de junio al 1 de julio. Andrew Fletcher, director global del Departamento de Maestros Antiguos de Christie's, comentó: «Rara vez una verdadera obra maestra como esta, sobre todo de un pintor tan importante como Canaletto, aparece en el mercado del arte, y es sumamente emocionante gestionar su venta. Esta extraordinaria pintura de la vista más grandiosa y familiar de Venecia, del pintor más reconocido de la ciudad, data de la época dorada de Canaletto y es notable tanto por su ilustre procedencia como por su impecable estado. Es, sin duda, la obra más grandiosa del artista que ha salido al mercado en una generación». Esta obra colgaba junto a otra vista del Gran Canal, mirando al noreste desde el Palacio Balbi hasta el Puente de Rialto. Las dos pinturas permanecieron juntas hasta la venta de la presente obra en Ader Tajan en 1993, donde, al aparecer en subasta por primera vez en casi 250 años, alcanzó un precio récord para una pintura de un antiguo maestro en una subasta en Francia. La excepcional calidad pictórica y el estado de conservación, junto con la distinguida procedencia de ambas pinturas, hicieron que, cuando se vendió la vista del Gran Canal en 2005, alcanzara un precio récord mundial para el artista en una subasta, título que aún ostenta veinte años después. Lo que se desconocía cuando la presente pintura se ofreció a la venta por última vez es que ambas pinturas comparten una notable historia temprana, habiendo pertenecido al primer ministro británico, el gran mecenas y coleccionista Sir Robert Walpole. Su presencia en la colección de Walpole fue advertida por primera vez por el historiador de arte británico y experto en viejos maestros Sir Oliver Millar (1923-2007), quien las encontró referenciadas en el catálogo manuscrito de pinturas de 1736 en el número 10 de Downing Street y en la subasta de 1751, cuando fueron vendidas por el nieto de Sir Robert, George Walpole; la copia manuscrita de la venta se conserva en la Biblioteca Nacional de Arte en el Victoria & Albert Museum. Se desconoce cómo y cuándo Sir Robert las adquirió. Es posible que fuera a través de su hijo Edward, quien fue enviado a Venecia con la misión de adquirir obras de arte entre enero de 1730 y enero de 1731, aunque ambas vistas se pueden fechar, por motivos estilísticos, alrededor de 1731-1732 y, por lo tanto, son ligeramente posteriores a la estancia veneciana de Edward. Aunque sin duda se vio facilitada por los contactos de Edward en Venecia, la compra de los cuadros debió de ser impulsada por la remodelación de la residencia de Downing Street entre 1732 y 1735, después de que el Rey Jorge II la ofreciera a Sir Robert Walpole en 1732. El arquitecto británico William Kent destripó los interiores de dos propiedades adyacentes y las unió para crear un nuevo complejo de sesenta habitaciones. Sir Robert y su esposa se instalaron allí en 1735, permaneciendo allí hasta que Walpole dejó el cargo en 1742, momento en el que trasladó su colección de cuadros a Houghton Hall . La festividad de la Ascensión de Cristo, que se celebraba el cuadragésimo día después del Domingo de Pascua, era la más espectacular de todas las festividades venecianas y era frecuentemente comentada por visitantes y viajeros. Exclusivamente en este día se utilizaba el Bucintoro, la galera oficial del Dux de Venecia y símbolo de la Serenísima. El modelo representado aquí, el último en fabricarse en el Arsenale, fue diseñado por Stefano Conti y decorado por el escultor Antonio Corradini , identificable por el león —símbolo de la ciudad de Venecia— en la proa y la figura de la Justicia. Acompañado por las autoridades de la ciudad, el Dux navegaba hasta el Lido en el Bucintoro y arrojaba un anillo al agua , un acto simbólico que representaba la unión de Venecia con el mar. Fue una ceremonia que reunió a toda la ciudad y siguió siendo una fecha clave en el calendario veneciano hasta la caída de la República en 1797. El Bacino di San Marco , donde se ambienta la escena, era el punto de llegada habitual, y sin duda el más emocionante, para los visitantes de Venecia. Las magistrales vistas de Canaletto, repletas de detalles y con efectos atmosféricos incomparables, lo convirtieron en el vedutista más exitoso de su época e influyeron en generaciones posteriores de paisajistas. En esta obra, su técnica es de una gran seguridad. Vívidos acentos de color guían la mirada del espectador por la composición, con toques de rojo vibrante que la salpican por completo. Canaletto parece dominar la fórmula para crear el efecto de agua ondulada, como arcos pálidos que recorren la superficie de la laguna. El artista demuestra una gran ligereza al describir figuras en movimiento, incluso en planos diferentes. La escena posee una atmósfera etérea y espontánea, y sin embargo, la técnica de Canaletto es muy precisa y su arquitectura, meticulosamente construida, con cada edificio delineado y detallado con rigurosa precisión. Demuestra una gran sensibilidad a las condiciones climáticas cambiantes. La imagen está impregnada de la cálida tonalidad de un día de principios de verano. La laguna está poblada de figuras elegantemente vestidas, reclinadas en góndolas; el Bucintoro, amarrado, se yergue majestuoso al fondo, y una multitud de curiosos se congrega en el muelle a lo lejos.

4. Comienza la mayor mudanza de la historia museística mundial: el Pompidou cierra para salvarse del amianto

   Se trata de la mayor mudanza de la historia museística mundial: el Centro nacional de arte y cultura Georges-Pompidou (CNACGP), uno de los museos más célebres y visitados del mundo, debe trasladar sus 150.000 obras a otros museos nacionales e internacional, para quedar cerrado y poder realizar, durante cinco años, indispensables reformas y «desamiantado», quitar el amianto peligroso para el edificio y los visitantes. El Centro Pompidou (CP), como es conocido coloquialmente, es una obra de los arquitectos Renzo Piano, Richard Rogers y Gianfranco Franchini, inaugurado el 31 de enero de 1977. Medio siglo más tarde, Serge Lasvignes, ex presidente del centro, declaraba: «El día de su inauguración, el Centro parecía un símbolo del futuro, algo de alegre y feliz.... Ver Más

5. Un 'Salvator Mundi', atribuido al artista español Fernando Llanos, ayudante en el taller de Leonardo, vendido por 650.000 euros

   Un dibujo a tinta al carbón sobre tabla del taller de Leonardo da Vinci , que formó parte de una subasta de antiguos maestros en la sala Dorotheum de Viena este marte. ¿Participó el propio Leonardo da Vinci en la creación de esta pintura? Esta representación inacabada del 'Salvator Mundi' , realizada en tinta negra sobre tabla y fechada en 1504, superó con creces su estimación previa a la venta, alcanzando un precio final de 650.000 euros . El importante estudio preparatorio, recientemente descubierto, se atribuye al artista español Fernando Llanos , quien trabajó como asistente en el taller de Leonardo da Vinci. Los paralelismos estilísticos con la obra del propio maestro son particularmente intrigantes, sobre todo en lo que respecta a los rizos apretados que semejan espirales de agua, fiel reflejo de una técnica descrita por Leonardo en su 'Tratado sobre la pintura' y otros escritos. Se subastó en Christie's de Londres el 17 de septiembre de 2004 , como obra 'a la manera' de Leonardo da Vinci. Tras examinar el dibujo, Cristina Geddo sugiere su atribución al valenciano Fernando Llanos, uno de los ayudantes españoles de Leonardo da Vinci, documentado en 1505 como 'Ferrando Spagnolo' . Dos pagos realizados el 30 de abril y el 30 de agosto de 1505 atestiguan que el pintor colaboró con Leonardo en la pintura mural perdida de 'La Batalla de Anghiari' para la Sala del Consejo Mayor del Palazzo Vecchio de Florencia. La inscripción en el reverso del dibujo indica 'LA DA V / 1504' y subraya la conexión de esta obra con el período florentino de Leonardo (1500-1506), resolviendo finalmente el debate sobre la autoría a favor de Fernando Llanos. La inclusión de «LA» en lugar de una simple «L» probablemente pretendía evitar la interpretación errónea del monograma como «L[EONARDO] DA V[INCI]» en lugar de «LA[NOS] DA V[ALENCIA]». Sin embargo, persiste cierta ambigüedad, que podría haber sido intencionada. Cabe recordar el irónico sentido del humor de Leonardo , su afición por las bromas y los dobles sentidos, así como su costumbre de confiar la ejecución de sus composiciones a sus alumnos, para luego reelaborarlas y revisarlas él mismo, difuminando así a menudo los roles en el taller. El monograma y la fecha podrían haber sido añadidos por el propio Llanos o por otro miembro del taller. Este 'Salvator Mundi', fechado en 1504, refleja las influencias estilísticas de Llanos, que pueden dividirse en cuatro componentes principales: su herencia artística española, la influencia de la cultura renacentista toscana, un eco de Durero, así como la evidente influencia de Leonardo. Esta última es particularmente evidente en tres elementos, también presentes en el célebre 'Salvator Mundi' del maestro , subastado en Nueva York en 2017 por 450 millones de dólares , siendo la pintura más cara de la Historia, pese a existir dudas sobre su autoría. Adquirido por Mohammed bin Salman , el príncipe heredero de Arabia Saudí, su paradero sigue siendo hoy un misterio. Dichos elementos son: la mirada penetrante , que sirve como punto focal de la composición; las cavidades orbitales sombreadas alrededor de los ojos que realzan su intensidad; y el tratamiento del cabello suelto , que se mueve en espiral como si fuera una corriente de agua, una comparación mencionada explícitamente en los propios escritos de Leonardo. El ' Tratado de la Pintura' de Leonard o , compilado póstumamente a partir de sus cuadernos por Francesco Melzi , compara el cabello con las corrientes de agua: observó que ambos siguen patrones naturales de flujo, formando espirales y ondas, lo que enfatiza la importancia de representar el cabello con un movimiento fluido y dinámico en el arte. Como una de las pocas obras inacabadas del taller de Leonardo, este dibujo del 'Salvator Mundi' es significativo. La ejecución de la obra parece haberse interrumpido en la etapa del dibujo preparatorio en claroscuro, incluyendo el dibujo y el modelado subyacentes, sin la aplicación final de pigmentos de color. No se sabe por qué el artista dejó esta obra inacabada . Quizás se trataba de una obra experimental. En cualquier caso, se observan revisiones y arrepentimientos en las zonas retocadas, especialmente alrededor de la punta de la nariz, la barba, el mentón y el cabello. Las correcciones y los retoques sugieren un proceso creativo no lineal. Las pinceladas oscuras, pesadas y audaces utilizadas para los ajustes y el modelado, especialmente visibles en los rizos del cabello, ¿podrían incluso pertenecer a otra mano, tal vez la del propio Leonardo? La tabla tiene 2,5 centímetros de grosor y se encuentra en su fase inicial de preparación , mostrando el dibujo subyacente , que ahora presenta un aspecto parduzco, pero la evidencia en imágenes infrarrojas sugiere que contiene tinta negra al carbón . El dibujo, trazado con un pincel fino, presenta contornos y tramas para indicar sombras más grandes. A este dibujo le sigue una segunda fase gráfica, coloreando las sombras con la misma tinta, pero más diluida, como si el pintor quisiera lograr la idea del resultado final deseado para el claroscuro, lo cual se aprecia en los pliegues de la túnica y en el rostro. En el reverso , se puede detectar una inscripción , que es transparente a los rayos infrarrojos y no es visible mediante imágenes de fluorescencia ultravioleta. Las letras de la inscripción, y en particular la forma curva de la V y la ligadura LA, coinciden con las de una mano de principios del siglo XVI; sin embargo, las dos letras A podrían haber sido reforzadas o añadidas por una segunda mano. La primera letra A está muy difuminada en la ligadura con la letra L.

6. Un niño daña un Rothko, valorado en 50 millones, en un museo de Róterdam

   Un niño ha dañado 'Gris, naranja sobre granate, nº 8' , cuadro de Mark Rothko , valorado en unos 50 millones de euros , en el Museo Boijmans Van Beuningen de Róterdam . El personal del museo no logró intervenir a tiempo para evitar el daño. Los hechos ocurrieron durante un « momento de descuido «, según dijo un portavoz del museo al medio de comunicación holandés 'Algemeen Dagblad'. Según fuentes del centro, en declaraciones a la BBC, el daño es «superficial» y agregó: «Se ven pequeños rasguños en la capa de pintura sin barnizar en la parte inferior de la pintura. Se han solicitado expertos en conservación tanto en los Países Bajos como en el extranjero. Actualmente, estamos analizando los próximos pasos a seguir en el tratamiento de la pintura«. La obra afectada, creada en 1960 , es una de las piezas más reconocidas de Rothko, un artista ruso-estadounidense célebre por sus pinturas abstractas. El cuadro fue adquirido por el museo en 1970, el mismo año que el pintor falleció. En 2022, el coleccionista de arte neerlandés Bert Kreuk estimó que su valor podría alcanzar hasta 50 millones de euros. Sophie McAloone, directora de conservación de Fine Art Restoration Company, dijo a la BBC que las pinturas «modernas sin barnizar» , como es este caso, son «particularmente susceptibles a sufrir daños. Se debe a una combinación de sus materiales modernos complejos, la falta de una capa de recubrimiento tradicional y la intensidad de los campos de color planos, que hacen que incluso las áreas más pequeñas de daño sean instantáneamente perceptibles. En este caso, el rayado de las capas superiores de pintura puede tener un impacto significativo en la experiencia visual de la pieza». El cuadro de Rothko estaba colgado en un depósito de acceso público situado junto al museo principal, como parte de una exposición que mostraba una selección de las obras favoritas del público de la colección de la galería. Según los expertos, restaurar un cuadro de Rothko es una tarea difícil porque la mezcla de pigmentos, resinas y pegamentos de Rothko es bastante compleja . Además, el hecho de que la pintura no esté barnizada planteará un desafío adicional para los conservadores. No es la primera obra de Rohko que sufre daños. Un joven polaco de 26 años fue condenado a dos años de cárcel por un juez británico por pintarrajear un conocido cuadro de Mark Rothko en la Tate Modern de Londres en octubre de 2012. Según el magistrado Roger Chapple, está «claro» que Wlodzimierz Umaniec , residente en West Sussex, es un «hombre inteligente que considera al artista estadounidense un gran pintor». Le acusa de haber actuado de forma «enteramente deliberada, planificada e intencional» cuando vandalizó la pintura, que tardó unos 20 meses en ser restaurada con un coste de 250.000 euros . El acusado es conocido también como Vladimir Umanets en su calidad de activista de un pseudo movimiento llamado amarillismo. Este nombre fue el egocéntrico 'autógrafo' con el que dañó la pintura del artista rusoestadounidense titulada 'Negro sobre marrón' , que Rothko donó en 1969 al museo londinense. Su valor está estimado en 62 millones de euros . En 2024 dañaron cuatro obras de Warhol y robaron dos de ellas en una galería holandesa. Los ladrones fueron captados por las cámaras de seguridad utilizando explosivos para abrir las puertas de la galería MPV en la ciudad de Oisterwijk . Formaban parte de la serie 'Reigning Queens' , de 1985, en la que el artista retrató a las cuatro monarcas que entonces reinaban en el mundo: Isabel II del Reino Unido, Margarita de Dinamarca, Beatriz de los Países Bajos y Ntombi Tfwala, de Eswatini, antes Swazilandia.

7. El arte, visto a través de la neurociencia

   Estos días coinciden en las librerías dos libros que relacionan el arte y la neurociencia, un binomio muy bien avenido: 'Un neurocientífico en el Museo del Prado', de Fernando Giráldez (Paidós), y 'Mentes geniales' , de Mario de la Piedra Walter (Debate). Giráldez (1952) es doctor en Medicina por la Universidad de Valladolid y en 2001 se incorporó al Parque de Investigación Biomédica de Barcelona. En su libro, propone un apasionante viaje por la colección del Prado... y por el cerebro. Se atribuye a Picasso esta frase: «Todos sabemos que el arte no es la verdad. Es una mentira que nos hace ver la verdad». Los pintores, advierte Giráldez, «son como magos o ilusionistas». Leían tratados científicos, algunos tenían... Ver Más

8. José Luis Pérez Pont, el director de museo que perdió el juicio

   No todo el que sale a hombros ha triunfado en la corrida . José Luis Pérez Pont , exdirector del Centro del Carmen y del Consorcio de Museos de la Comunidad Valenciana , recorre ahora los medios con la arrogancia del que se sabe impune, blandiendo una sentencia judicial como si fuera un trofeo. Pero lo cierto es que ha perdido. Perdió autoridad, perdió credibilidad y, aunque le haya salido rentable en lo económico, también perdió el juicio. El primero, el principal. La noticia de su despido improcedente llega año y medio después de su marcha. El nuevo gobierno autonómico, con PP y VOX al frente tras ocho años de coalición de izquierdas, lo cesó. Fue una maniobra apresurada ,... Ver Más

9. Un Giacometti de 70 millones de dólares y un dibujo atribuido a Magritte, comprado en eBay por 1.580, que podría venderse por cien veces más

   La 'Gran cabeza delgada', de Alberto Giacometti , fundida en 1955, encabezará la subasta nocturna de arte moderno de Sotheby's-Nueva York el 13 de mayo , con una estimación superior a los 70 millones de dólares . Entre los raros y poderosos bronces de posguerra de Giacometti jamás subastados, esta escultura, profundamente personal y pintada a mano, sirve como un conmovedor homenaje a s u hermano y modelo de toda la vida, Diego . Encarnación de los ideales existencialistas durante los álgidos años de la Guerra Fría, esta escultura es una de sus obras más radicales en cuanto a su forma, visualmente impactantes y con mayor carga emocional. La escultura llega a subasta con una procedencia excepcional, tras haber sido expuesta en la Bienal de Venecia de 1956 y de nuevo en la Fundación Maeght entre 1964 y 1980 . Fue adquirida por su actual propietario hace más de 40 años a la Galerie Maeght, principal marchante de Giacometti. Según Simon Shaw, asesor principal de Arte Impresionista y Moderno de Sotheby's, esta obra «representa a Giacometti en su faceta más audaz e inquebrantable, una auténtica obra maestra de la escultura que encarna los temas existenciales del aislamiento y la presencia humana. La obra encapsula la colaboración entre el artista y su hermano Diego, que definiría su etapa de posguerra. Esta obra excepcional es la única de su tipo conocida y una de las pocas obras excepcionales e impactantes de Giacometti que se han subastado en los últimos tiempos«. En 1950, Giacometti creía haber explorado plenamente el potencial creativo de las figuras alargadas e ingrávidas que había comenzado a desarrollar a finales de la década de 1940. En busca de un renovado sentido del realismo espacial, y en un esfuerzo por mantener la intensidad emocional de sus obras anteriores, se volcó en la pintura -como lo había hecho en 1935, cuando se alejó de su estilo surrealista y abstracto- y comenzó a trabajar de nuevo con modelos del natural. El tema de esta escultura es el hermano menor de Giacometti, Diego, compañero escultor y diseñador, quien fue su modelo de toda la vida, posando para él por primera vez en 1914, y su asistente en su estudio desde 1929. Ambos compartieron un estudio de escultura en París durante la mayor parte de sus vidas, y la perdurable presencia de Diego inspiró innumerables interpretaciones de cabezas y bustos . Giacometti buscaba capturar la sensación de la existencia de Diego en el espacio, y su obsesión por centrarse en una sola figura le permitió crear una imagen universal del hombre. Aunque distorsionó los rasgos de Diego , sus rasgos clave permanecen inconfundibles: la mirada intensa, la nariz respingada, los labios carnosos y la frente alta con una abundante cabellera. El proceso de Giacometti era intensamente táctil, a menudo tallando el material con una espátula de modelar, de modo que, de frente, la cabeza parece antinaturalmente estrecha , pero de perfil, es audaz y dentada. A lo largo de su carrera, Giacometti, cuyo padre era pintor, buscó una profunda conexión entre la escultura y la pintura, utilizando ambos medios en ocasiones para realzar sus esculturas. Consideraba el color como parte integral de la expresión creativa, impulsado por el deseo de crear figuras que se sintieran verdaderamente vivas, y era conocido por decidir aplicar pintura a una obra, incluso mientras estas se instalaban en galerías y museos. La cabeza de Diego estará expuesta en las galerías de Sotheby's de Nueva York a partir del 2 de mayo , antes de su subasta el 13 de mayo. Con un valor estimado de más de 70 millones de dólares, se erige como una de las obras más poderosas y profundas de la carrera de Giacometti, reconocida como una de las obras maestras definitivas de la escultura del siglo XX. Normalmente, uno acude a eBay para comprarse un Magritte , pero es lo al parecer ha sucedido. Un comprador anónimo adquirió por 1.580 dólares un supuesto dibujo del pintor surrealista belga el pasado enero. La sala Rago/Wright subastará el dibujo, realizado con bolígrafo y lápiz de color sobre papel, en Lambertville, Nueva Jersey , el 21 de mayo, con una estimación de 150.000 dólares, casi cien veces más que el precio de compra. La obra no ha sido autentificada por los expertos en el artista. El dibujo sin fecha muestra tres gigantescas piezas de ajedrez blancas que se alzan sobre un paisaje, tan altas que eclipsan las nubes. La obra une así dos motivos que aparecen en otras obras del artista. Perteneció a Mora Henskens , compañera del abogado Harry Torczyner , quien defendió al artista como amiga, asesora legal, escritora y coleccionista. Se conocieron en 1962, un año después de que Henskens emigrara de los Países Bajos a Estados Unidos, donde trabajó en Naciones Unidas. Torczyner escribió libros y artículos sobre el artista, organizó exposiciones y donó parte de su obra a instituciones como el Museo de Arte Moderno de Nueva York. El artista pintó un retrato de Torczyner en 1958. Henskens adquirió el dibujo durante una visita a la viuda del artista, G eorgette Berger Magritte . Permaneció en su colección hasta 2022, cuando se vendió.

10. La Frick Collection: el mejor regalo de la oligarquía industrial reabre sus puertas

    «¡Abajo la oligarquía!», gritan las gargantas y las pancartas en las protestas de estas semanas en Nueva York, en desafío al multimillonario que fue residente de esta ciudad y ahora lo es de la Casa Blanca y, a su mano derecha, el hombre más rico del mundo. Algunos bajan la Quinta Avenida para plantar cara a Donald Trump y Elon Musk y otros la suben para llegar a la esquina con la calle 70 y admirar a un oligarca de otra época. O, al menos, su visión, su gusto artístico, su espectacular colección y su mansión descomunal. O la mezcla de todo eso: quizá el museo más hermoso de Nueva York. Y, sin duda, el acontecimiento artístico del año en... Ver Más