ABC - Arte

• Rosalía se disculpa por sus opinión sobre Picasso: «No tenía conciencia de que había casos reales de maltrato»

  Después de afirmar en un podcast que no le molestaba «diferenciar al artista de la obra» en referencia a Pablo Picasso , Rosalía ha matizado este sábado sus palabras sobre el pintor malagueño y ha pedido disculpas por su «falta de sensibilidad» en sus comentarios. «Es importante no hablar de según qué temas cuando uno no tiene suficiente conocimiento. Yo pensaba que Picasso era un hombre muy tremendo, lo típico que se ha dicho, que has oído hablar de ello. No tenía conciencia de que había casos reales de maltrato », ha dicho la cantante en un vídeo colgado en su cuenta de TikTok. Y ha añadido: «Es verdad que me he equivado, tenéis razón, gracias por decírmelo (...) Quiero pedir disculpas si hubo falta de sensibilidad por mi parte durante esa conversación y falta de empatía absoluta con esas mujeres y esos testimonios». La artista catalana ha pedido perdón en estos términos tras afirmar que hizo estas declaraciones durante la grabación cuando llevaba muchas horas hablando. Rosalía se refería a sus palabras en un podcast grabado en Argentina el pasado noviembre, en el que aseguró que le gustaba mucho Picasso y que nunca le ha molestado «diferenciar al artista de la obra». «Si lo hubiera conocido, a lo mejor no me hubiera caído tan bien por las cosas que me han explicado o quizá sí. No lo sé y no me importa. Disfruto su obra», aseguró. «Hasta qué punto uno sabe si esa información es cierta . A no ser que hubiera convivido con esa persona y tenido una experienda real de esa persona, quién soy yo para juzgar», dijo la cantante durante el podcast en unas declaraciones que han desatado la polémica en redes sociales. Rosalía ha aprovechado el vídeo para reivindicar también su postura sobre el feminismo, por el que ha dicho no sentir más que «amor, respeto y agradecimiento» . «A veces peco de ser demasiado cuidadosa y siento que, a lo mejor, me da miedo denomiarme de según qué manera por no ser una representación suficientemente buena de ello», ha apuntado. «Yo creo que está claro que la forma en que vivo, escribo, performeo, canto, hago música y quiero es muy feminista . Para mí creo que es obvia mi posición feminisita, pero para otros quizá no lo ha sido tanto», ha reconocido, antes de lamentar la actual «polarización» mundial.

• La armada española pone una pica en Maastricht

  Un informe del mercado del arte en 2025 , publicado este miércoles por Art Basel y UBS, y elaborado por Clare McAndrew, aporta datos para el optimismo, aunque todo puede dar un vuelco de repente con la incertidumbre de la guerra en Irán, Oriente Medio y el Golfo Pérsico y la subida de los aranceles impuesta por Trump. Las ventas mundiales de arte volvieron a crecer el año pasado, tras varios años en retroceso: lo hicieron un 4%, situándose en 59,6 billones de dólares. El mercado del arte español experimentó un crecimiento de las ventas del 6%, pese a que el IVA continúa en un 21%. Los principales mercados siguen siendo Estados Unidos, seguido de Reino Unido y China, que representaron el 76% de las ventas mundiales. Además, hubo un aumento de las ventas en las ferias hasta llegar a representar el 35% de la facturación de los marchantes (un 4% más interanual), su nivel más alto desde 2022. Las ferias internacionales representaron la mayor parte de las ventas. Estamos en una de las más importantes del mundo, Tefaf, en Maastricht , cuya 39 edición abrirá sus puertas al público del 14 al 19. Este miércoles y el jueves lo hace solo para profesionales. Doscientos setenta y siete expositores de 24 países muestran tesoros que abarcan 7.000 años de historia, desde la Antigüedad hasta el arte contemporáneo. Una cita que cuenta como seña de identidad con un 'vetting' (comité de expertos mundiales en cada disciplina artística), que evalúa las piezas a la venta para asegurar los estándares de calidad y las atribuciones. Las que no lo cumple se retiran. Vuelve un año más la feria de las vanidades, donde los coleccionistas acuden en jets privados y se pasean por los lujosos estands de las galerías entre ostras y champán. Aunque este año se veían por los pasillos más bandejas con vasos de agua que de champán. ¿Habrá llegado también aquí la crisis? Mientras medio mundo tiembla entre misiles, Tefaf es una burbuja , donde parece que nada malo puede ocurrir. Un ejemplo de la bonanza del mercado internacional lo tenemos en Italia, donde en los últimos meses se han gastado 45 millones de euros en dos cuadros: 30, en el 'Retrato de Maffeo Barberini', de Caravaggio, y 15, en un 'Ecce Homo', de Antonello da Messina. A ver si España toma nota... La armada española brilla con luz propia en Tefaf . Y eso, a pesar de que varios de los galeristas presentes reconocen que aún no se conoce lo suficiente el arte español y que sus precios están por debajo de lo que merecen, más allá de los grandes nombres. Ocho galerías de nuestro país están presentes este año en la feria: dos se estrenan, después de llevar años intentando entrar en la 'Champion' de las ferias. Y lo hacen sacando toda la artillería pesada. En Colnaghi, destaca la presencia de un Velázquez, 'Retrato de don Sebastián García de la Huerta', que ha viajado con un permiso de exportación temporal para su exhibición. Quien lo quiera deberá comprarlo en España. Su precio, unos 7 millones de euros. Este cuadro fue atribuido al maestro en 2012 por Carmen Garrido, entonces jefa del Gabinete de Documentación Técnica del Prado. La autoría fue confirmada por Jonathan Brown. Es una obra de juventud, pintada hacia 1628, en la que Velázquez retrató a Sebastián García de la Huerta (1576-1644), secretario del Tribunal de la Inquisición con Felipe III y más tarde secretario de la Casa Real con Felipe IV. El año pasado, una de las estrellas de Tefaf fue otro Velázquez, un retrato de la madre Jerónima de la Fuente, de la colección Fernández de Araoz. Fue surrealista la situación. Mientras el Ministerio de Cultura negaba que la obra estuviera a la venta, la galería que lo exponía insistía en que sí lo estaba. De momento, que sepamos, no se ha vendido. También en Colnaghi, el 'Retrato de un monje carmelita', pintado por Alonso Cano durante su estancia en Valencia. Considerada la obra maestra del retrato del artista, su autoría fue descubierta por Benito Navarrete. Su precio, 3 millones. Procede de una colección de Génova. El objetivo de la galería, advierte Jorge Coll, consejero delegado y socio de la firma, es «promocionar la cultura española». Ambos artistas estaban juntos en el taller de Pacheco y ahora se reencuentran. José de la Mano Old Masters , una de las galerías españolas que debuta en la feria, ha centrado su estand en Goya . Se ha inspirado en una exposición organizada en Madrid en 1932 por Lafuente Ferrari: junto a las obras del artista, se mostraban antecedentes, coetáneos y su legado. Cuelgan dos lienzos de Goya: 'Retrato de Antonio Porlier y Sopranis, marqués de Bajamar' -su precio es 4,5 millones y obtuvo el permiso de exportación- y 'San Antonio de Padua con el Niño' (2,7 millones). Es BIC e inexportable. Además, hay una primera edición de 'Los desastres de la guerra' (75.000 euros). Como curiosidad, dos dibujos que hizo Ramón Martí Alsina en la década de 1870, versión española de 'El origen del mundo' de Courbet , de 1866. Tras su muerte, su hijo Ricardo estampó un sello: «Boceto para un encargo especial». Están a la venta por 25.000 y 18.000 euros. Apenas se han visto: solo en una ocasión en París hace unos años. También se expone un dibujo de Mengs (artista al que el Prado ha dedicado una gran antológica) para uno de los frescos del Palacio Real. La Galerie de L'Institut de París dedica un estand monográfico a Picasso con más de 45 obras. Hay óleos, dibujos, grabados, cerámicas, libros ilustrados… Destaca un precioso retrato de su hijo Claude (12 millones). A su lado, 'Mujer desnuda sentada', del mismo precio aproximadamente. Hay también retratos de algunas de las mujeres de su vida. En la galería Van de Weghe, la estrella es un 'Mosquetero' del malagueño. A la venta por 8,5 millones. Y más arte español . En un paseo acelerado por la feria vemos dos excepcionales pinturas de Ribera ('San Pedro en lágrimas', en Artur Ramon, por 1,4 millones, y 'San Andrés', en Bernat, de una colección serbia, por 350.000 euros). En el estand de Artur Ramon, cerámicas de Picasso (ya hay una vendida), un Barceló de Mali de 1992 (650.000 euros), Casas, Sorolla, Madrazo, Julio González… Antes de abrir las puertas ya ha vendido varias piezas (el Ministerio de Cultura está negociando cuatro de ellas, que se han quedado en España). En Caylus , una preciosa 'Gitana azul' de Nonell, vendida a un museo norteamericano. Y una obra de Mateo Cerezo está reservada por otro museo de Estados Unidos. Además, un bodegón de Juan van der Hamen (350.000 euros) y 'Lamentación de Cristo muerto', de Paolo de San Leocadio (inexportable, 850.000 euros). En Bernat , otra de las galerías españolas que se estrena este año en Tefaf, hay bocetos de Sert con temas de gitanos encargados por Alfonso XIII para tapices, que nunca llegaron a realizarse. Además, una 'Piedad', de Morales, a la venta por 550.000 euros. Mayoral no ha traído 'Leku III', escultura de hormigón de Chillida, porque la vendió en ARCO a la Fundación María Cristina Masaveu Peterson. Pero ofrece una buena selección de obras de Millares (se centenario se celebra el próximo 17 de marzo), Tàpies, Dalí, Miró... En la galería Landau Fine Art, de Montreal, donde suelen colgar algunas de las piezas más caras de la feria, la estrella este año es 'Femme rêvant de l'évasion', de Miró (25 millones de euros) , el precio más alto que sepamos. Dejamos a un lado el arte español. Entre las estrellas de la feria destaca, como publicó ABC, un 'Salvator Mundi (versión Ganay)', del taller de Leonardo da Vinci , propiedad de un coleccionista suizo. Toma su nombre de uno de sus propietarios, el marqués Hubert de Ganay. Se exhibe en el estand de Agnews, de Londres, junto a la reflectografía infrarroja del cuadro. ¿Es de Salai, el discípulo más querido de Leonardo? «Probablemente», dicen en la galería. Siguen sin desvelar su precio . «Estamos buscando ofertas y un compromiso serio», decían a ABC. Es difícil ponerle precio, pues no hay ejemplos en el mercado para comparar. Ha despertado interés entre muchos coleccionistas y está previsto que vengan a verlo representantes del Museo del Louvre Abu Dabi. Colgó en la gran exposición que dedicó el Louvre a Leonardo da Vinci entre octubre de 2019 y febrero de 2020. El comisario de la muestra, Vincent Delieuvin, advertía en el catálogo que se trata de «una versión de un fiel alumno del maestro, sin duda pintada bajo su supervisión y con su posible intervención ». Después estuvo en el Prado como parte de la muestra 'Leonardo y la copia de Mona Lisa del Museo del Prado. Nuevos planteamientos sobre las prácticas del taller vinciano' (de septiembre de 2021 a enero de 2022). El cuadro aparecía con la siguiente cartel: 'Taller de Leonardo, autorizado y supervisado por él'. Hay que recordar que un 'Salvator Mundi', de Leonardo da Vinci (que perteneció a la colección Cook) se vendió en 2017 en la sala Christie's de Nueva York por 450,3 millones de dólares, convirtiéndose en el cuadro más caro de la Historia . Poco después se supo que el vendedor era el magnate ruso Dmitry Rybolovlev y el comprador, el príncipe saudí Mohammed Bin Salman. Desde entonces han surgido dudas entre los expertos sobre su autoría. Además, hay muchos misterios en torno al cuadro. Se desconoce su paradero. Se especuló con que podría estar en un yate de la Familia Real saudí e incluso que se hallaba en Ginebra a la espera de que fuese el reclamo para un nuevo museo de Riad. La lista de piezas relevantes en Tefaf es interminable: 'Retrato de caballero', de Tintoretto (Colnaghi), de una colección francesa, por 1,9 millones; 'Hércules como gladiador', de Rubens (10 millones en Salomon Liliam); un dibujo de Van Gogh (550.000 euros en Landau), un pastel de Gauguin , 'Cabeza de mujer tahitiana de perfil'; un pequeño gato de Giacometti (4,5 millones) en una galería parisina, obras de Toulouse-Lautrec, Henri Rousseau, Monet, Renoir... De este último sale a la venta en el estand de la galería M. S. Rau 'El sombrero de cerezas', que perteneció a la colección personal de Cayetana de Alba . Lo adquirió en la galería londinense Marlborough en 1973. Era una de sus obras más queridas. Renoir lo pintó en 1880. Tenía entonces cuarenta años. La mujer retratada es Aline Charigot, que se convirtió en su esposa en 1890. Tras la muerte de la duquesa de Alba, el cuadro formaba parte del tercio de libre disposición que debía dividirse entre sus seis hijos y su viudo, Alfonso Diez. Finalmente, se puso a la venta y fue comprado por un coleccionista de Ohio. Hace unos meses apareció en un anticuario de Nueva Orleans, M. S. Rau, quien ahora lo ofrece en Tefaf. Su precio: 8,6 millones de euros.   Las antiguas maestras, olvidadas durante mucho tiempo, se han hecho ya un hueco en ferias y museos y sus precios no paran de subir. «Ya no es una tendencia, hay mucha demanda», comenta Jorge Coll. La más cotizada es Artemisia Gentileschi , a quien la National Gallery de Londres le dedicó una retrospectiva y hoy todos se rifan. Está presentes en varios estands de la feria: 'Magdalena penitente', en Lullo Pampoulides de Londres, por 4,5 millones, y 'Autorretrato como Cleopatra', en Jean-François Heim, por 6 millones. Desde su redescubrimiento en 2015, este lienzo ha sido incluido en importantes exposiciones internacionales y ha recuperado su tamaño original. Hay varios museos interesados en él. El Kunsthistorisches Museum de Viena consagró recientemente a una pintora flamenca excepcional, Michaelina Wautier, con una exposición. Un exquisito 'Estudio de un joven' está a la venta por 350.000 euros en Koetser Gallery de Zúrich. En Colnaghi, Lavinia Fontana , una de las primeras artistas mujeres profesionales en Europa (fue la primera mujer elegida para la Academia de San Lucas en Roma), está presente con un retrato de una noble boloñesa, a la que pintó en cuatro ocasiones: Isabella Ruini Angelelli. Otra obra de esta artista, 'Cristo expulsando a los mercaderes del templo', cuelga en el estand de Trinity Fine Art de Londres. En el estand de Porcini, de Nápoles, 'Judith con la cabeza de Holofernes', de Elisabetta Sirani . En una pared de la galería Amells Stockholm, otras tres artistas que están al alza: 'Retrato de una joven con vestido azul satinado', de Mary Beale; 'Retrato de Anne Stewart', de Angelica Kauffmann y 'Retrato de un joven', de Élisabeth Vigée Le Brun. Tefaf está llena de curiosidades . Una de las piezas más singulares de la feria se halla en el estand de la Galería Kugel de París. Metida en una urna, una vista panorámica de Madrid. Es la cuarta de las vistas encargadas para la boda de María Amalia de Sajonia con el futuro Carlos III. Su precio, 2,5 millones. Hay tres en la Academia de San Fernando de Madrid: Dresde, Nápoles y Jerusalén. La vista de Madrid se creía perdida . Bajorrelieve de cera sobre vidrio, es una planimetría escultórica firmada por Nicolas Engelbert Cetto en 1740. Un rareza.

• El chileno Smiljan Radic, premio Pritzker de arquitectura

  Tras la dimisión a mediados del pasado mes de febrero de Tom Pritzker , presidente de la corporación Hyatt, ­creadora y patrocinadora del premio de arquitectura que lleva este nombre­, por su vinculación con la trama Epstein, algunos medios habían apuntado a la posibilidad de que el nombre del galardonado de este año no fuese anunciado durante el mes de marzo, como ya venía siendo habitual en los últimos años. Sin embargo, hoy 12 de marzo, la Fundación Pritzker ha anunciado quien es el nuevo receptor del galardón: Smiljan Radić Clarke . Radić es el segundo laureado de nacionalidad chilena (el primero fue Alejandro Aravena , casualmente actual presidente del jurado que otorga el premio Pritzker) y el quinto iberoamericano reconocido con él. «Por recordarnos que la arquitectura es un arte, porque toca el núcleo de la condición humana; por permitir a esta disciplina abrazar la imperfección y la fragilidad a través de refugios serenos dentro de un mundo marcado por la incertidumbre, sin sentir la necesidad de ser más estruendoso o espectacular a tal efecto ; por crear edificios cuya naturaleza híbrida refleja la contemporánea difuminación de las fronteras entre disciplinas, y que no hablan por las personas, sino que permiten a estas hallar su propia voz a través de ellos». Estos son los motivos que han llevado al jurado del Premio Pritzker a galardonar a Radić Clarke. El jurado observa también cómo puede establecerse una analogía entre la arquitectura y el relato vital de este arquitecto nacido en el seno de una familia inmigrante (de origen croata por el lado paterno y británico por el materno) en Santiago en 1965. Radić creció con una intensificada conciencia del pertenecer, algo que alentó en él una comprensión de la vida como algo que se ensambla, no simplemente se hereda. «Como su arquitectura, las capas de su vida forman una historia discontinua modelada por el movimiento, la apertura y la paulatina construcción de significado». Descubrió la arquitectura en la adolescencia y se formó en la Pontificia Universidad Católica de Chile, donde se graduó en 1989. Completaría su formación con estudios de Historia en el Istituto Universitario di Architettura di Venezia y abundantes viajes. La filosofía, el arte, la música, referencias míticas y literarias son también nutrientes de su pensamiento y arquitectura. En 1995 creó en su estudio, que mantiene intencionadamente a una pequeña escala, colaborando puntualmente en algunos de sus proyectos junto a su esposa, la escultora Marcela Correa . Ambos diseñaron y construyeron con sus propias manos Casa Chica (1997), la que Radić considera su primera obra significativa. La declaración del jurado del Pritzker subraya y ensalza en su arquitectura una «inteligencia emocional», así como una cualidad poética que es «intrínsecamente difícil» de verbalizar, ya que sus edificios no son concebidos únicamente como «artificios visuales» sino que exigen la presencia física de un habitante o usuario. Su experimentación, desde el rigor, con las estrategias espaciales busca esa conexión con este, sin aspirar a definir un entorno «comprensible». Radić se inclina por la ambigüedad y lo imprevisto. «Sus espacios se resisten a ser entendidos desde un único punto de vista», y para este jurado es precisamente esa resistencia donde radica su capacidad para volver a infundir a la arquitectura de «profundidad y complejidad». Una arquitectura planteada como fenomenológica, pero a la vez decisivamente caracterizada por una materialidad que toma su inspiración del poderoso paisaje chileno, fuertemente marcado por las transformaciones sísmicas, y que prefiere ser huésped a amo en lugar. Sus edificios se posan sobre el suelo, raramente estableciendo contacto directo con él, evitando con extremo cuidado ejercer cualquier alteración, «como si pudieran ser desmantelados en cualquier momento y restituir el lugar a su estado original». Una impresión de impermanencia que se sustenta también en los materiales escogidos para la construcción de cada proyecto, procurando que estén fuertemente vinculados al contexto de este, desde un criterio heterogéneo (industriales o naturales, refinados o 'vulgares') que subvierte las jerarquías de valor y prestigio establecidas para estos, un aspecto que hablaría del «ethos democrático de su trabajo», manifiesto también en la «apertura social» de sus espacios, donde no se sitúa a ningún usuario por encima de otro. Más allá de los epítetos del jurado, puede decirse que la arquitectura de Radić y su, un tanto engolada, recurrencia a la dimensión sensible de la arquitectura constituye un clásico caso de esa forma de hacer que los arquitectos suelen tener por intachable e irrefutable. Pero es una forma de concebir la arquitectura que esencialmente más tiene que ver con el gusto y el aprecio de puertas para adentro de la profesión que hacia la sociedad. Vestirse de rara avis, de personaje excéntrico, le ha dado frutos y ha puesto a Radić en las vitrinas donde lucen los arquitectos para paladares exquisitos. Las formas de hacer de este arquitecto tienen muchos feligreses dentro del actual panorama español post-crisis. No obstante, cabría preguntarse si esta forma de hacer sigue siendo ejemplar actualmente o es sólo rémoras de una arquitectura que languidece, bien por estar desfasada o por haberse convertido meramente en una pose. .

• Italia adquiere el 'Retrato de monseñor Maffeo Barberini', de Caravaggio, por 30 millones

  Tras un año de negociaciones, el Estado italiano ha adquirido por 30 millones de euros el 'Retrato de monseñor Maffeo Barberini', de Caravaggio. Lo ha anunciado el ministro de Cultura, Alessandro Giuli. Una vez completados los trámites administrativos necesarios, pasará a formar parte del patrimonio del Estado italiano y se destinará a las Galerías Nacionales de Arte Antiguo de Roma, pasando a formar parte permanente de las colecciones del Palacio Barberini. La compra se realizó por un valor de 30 millones de euros, informa Ansa.   El Ministerio de Cultura especificó que la operación fue el resultado de largas negociaciones y que «representa una de las mayores inversiones jamás realizadas por el Estado italiano en la adquisición de una obra de arte. Demuestra el compromiso del ministerio con el fortalecimiento de las colecciones públicas con obras de la mayor importancia de la historia del arte». Caravaggio es hoy uno de los artistas más estudiados y admirados del mundo; sin embargo, «la cantidad de obras confirmadas sigue siendo extremadamente limitada, y la aparición en el mercado de pinturas atribuidas definitivamente al maestro es extremadamente rara». De ahí que esta compra suponga «un logro significativo tanto desde una perspectiva científica como de política cultural, garantizando que el patrimonio nacional se enriquezca con una obra maestra destinada a fortalecer las oportunidades de estudio, comprensión y disfrute de la obra de Caravaggio». La adquisición adquiere también un valor simbólico particular para las Galerías Nacionales de Arte Antiguo : el Palazzo Barberini atesora una obra maestra del pintor, 'Judit decapitando a Holofernes', adquirida por el Estado italiano en 1971. Esa operación marcó un punto de inflexión en el redescubrimiento moderno del pintor y contribuyó a fortalecer la presencia de las obras de Caravaggio en las colecciones públicas italianas. Ahora, «más de cincuenta años después, la incorporación del 'Retrato de monseñor Maffeo Barberini' representa un momento nuevo y particularmente significativo en las políticas italianas para ampliar los fondos públicos y fortalecer el sistema museístico nacional, ofreciendo nuevas oportunidades para exhibir la obra de Caravaggio», subraya el Ministerio de Cultura. Por otra parte, el pasado mes de febrero supimos que una rarísima obra maestra del Renacimiento italiano regresaba a Italia. Se trata del 'Ecce Homo', de Antonello da Messina , que Sotheby's sacaba a subasta y que fue adquirido por el Gobierno italiano por 14,9 millones de dólares . La casa de subastas confirmó así versiones difundidas por la Fundación Federico Zeri de Bolonia. Fue precisamente Zeri quien, en 1985, atribuyó por primera vez la obra al maestro siciliano. La obra había sido retirada poco antes de salir a subasta «debido al fuerte interés mostrado por el Gobierno italiano», que pagó una cifra apenas inferior al valor máximo estimado de salida, fijado en 15 millones de dólares. Las obras de Antonello da Messina son extremadamente raras: apenas   unas cuarenta han llegado hasta nuestros días y este ejemplo, pintado hacia 1460 tras el regreso del artista a su Messina natal, es probablemente el último que permanecía en una colección privada. Desde Sicilia surgieron peticiones para que el 'Ecce Homo' regresara a la isla, mientras otros creen que irá al Museo di Capodimonte en Nápoles. Otras versiones del 'EcceHomo' se conservan en el Metropolitan Museum of Art de Nueva York, el Palazzo Spinola de Génova y el Collegio Alberoni de Piacenza, mientras que una cuarta, conocida solo a través de fotografías, se encuentra desaparecida. En el reverso aparece un San Jerónimo penitente en un paisaje desértico. El cuadro se había expuesto en el Metropolitan, en las Escuderías del Quirinal y en el Palacio Real de Milán. Además, fue solicitado para una gran retrospectiva sobre el maestro prevista para 2028 en el Museo Thyssen. La primera mención documentada del panel se remonta a comienzos del siglo XX, cuando formaba parte de una colección privada española.

• Chillida cierra su centenario en Madrid, adonde regresa 25 años después

  Se le echaba de menos en Madrid. En 1998-99, el Museo Reina Sofía dedicaba a Eduardo Chillida (1924-2002) , uno de los grandes nombres del arte en España en el siglo XX, una completa retrospectiva, aún en vida del escultor vasco. Desde entonces han sido muchas las exposiciones de su obra, especialmente con motivo de la conmemoración del centenario de su nacimiento en 2024. Un amplísimo programa de actividades, que comenzó el 2 de diciembre de 2023, con una exposición en Chillida Leku, 'Universo Maeght', y al que ahora se pone punto final. Veinticinco años después, regresa a la capital, donde hay esculturas monumentales en espacios públicos de la ciudad, como la Plaza del Rey, la Fundación Juan March, el jardín del Museo Reina Sofía o el Museo de Escultura al Aire Libre en la Castellana. Tras su paso por La Lonja de Zaragoza, 'Eduardo Chillida. Soñar el espacio' llega, en una versión distinta, a Madrid. Reúne, hasta el 21 de junio, 98 obras del creador vasco (20 esculturas y el resto, obras sobre papel). Organizada por la Fundación Ibercaja, con la colaboración del Ayuntamiento de Madrid, la Fundación Eduardo Chillida-Pilar Belzunce y Chillida Leku, abarca toda su trayectoria: esculturas, dibujos, obra gráfica, collages, retratos... En las paredes de la sala, fotografías del artista en plena faena o junto a su mujer y compañera de vida, Pilar Belzunce. «La escultura debe siempre dar la cara y estar abierta a todo lo que alrededor de ella se mueve y la hace viva», decía Chillida. En la veintena de esculturas expuestas hay ejemplos de todos los materiales que utilizó (yeso, alabastro, acero cortén, granito, hierro forjado, tierra chamota -que descubre en Saint-Paul-de-Vence de la mano del ceramista Hans Spinner y que usaba en sus 'Lurras', bloques compactos y macizos de arcilla-, bronce, madera, hormigón armado...). Se incluyen algunos torsos figurativos de su juventud (realizados en 1948), proyectos de obras como 'Monumento a la tolerancia', 'Elogio del horizonte' o 'Múnich-Buscando la luz' y la maqueta para 'Homenaje a Hokusai'. No faltan series emblemáticas como 'Lo profundo es el aire', que comenzó en 1983, inspirada en un célebre verso de Jorge Guillén. Tampoco, sus collages (prolongaciones de su pensamiento escultórico), grabados, las 'Gravitaciones' (dibujos en el espacio, recortes de papel superpuestos, suspendidos por hilos y tensiones invisibles, que parecen flotar en el aire desafiando la gravedad)... Sus dibujos , advierte Alicia Vallina, conservadora de Museos Estatales y comisaria de la exposición, «lejos de ser obras preparatorias, poseen su propia singularidad y autonomía; son muy intuitivas. Constituyen el germen, la esencia de su pensamiento. Esta exposición muestra la importancia del papel en su trayectoria, en la investigación de la materia, el espacio y el vacío». A tinta, carboncillo o sanguina, cuelgan dibujos de figura humana, de línea fija y de manos (abiertas, recogidas, entrelazadas, casi escultóricas). También se exhiben bocetos para esculturas y retratos , «profundos y expresivos»: uno de Pili, otro de sus hijos Pedro e Ignacio y un espléndido autorretrato a tinta, de 1971, que dedica a su esposa: «Para Pili Belzunce, mi amiga de siempre». Cierra la muestra un documental, 'Retrato de un artista', de 1985, dirigido por Laurence Boulting, que nos acerca a su vida y su proceso creativo. Mikel Chillida, nieto del escultor y director de desarrollo de Chillida Leku, explica en el catálogo de la muestra que «celebrar a Chillida no es solo recordar a un artista, sino reivindicar una forma de mirar, de construir y de pensar el mundo». Y desvela el vínculo silencioso de Zaragoza con la obra de su 'aitona' : «De la tierra aragonesa proviene el alabastro con el que trabajó sus esculturas más luminosas. Aquel material traslúcido, nacido de la piedra pero atravesado por la luz, le fascinaba por su dualidad: era sólido y, al mismo tiempo, frágil; opaco y transparente, terrenal y casi espiritual». Comenta Mikel Chillida que «si el hierro era el lenguaje de la densidad, la fuerza y la materia, el alabastro era el de la luz, la intimidad y el silencio . Lo que buscaba en cada pieza no era tanto esculpir una forma, sino liberar un espacio interior, un vacío que, al ser atravesado por la luz, se convertía en presencia. En esas obras hay algo profundamente aragonés, casi místico. La luz, tan presente en su obra, tiene en Aragón una calidad particular. Es una luz limpia, directa, sin concesiones, que parece nacer del mismo suelo. Una luz que no adorna, sino que revela». Fernando Savater recordaba a Eduardo Chillida como un hombre erguido, en pie, frente al mar. La comisaria destaca su vigencia: «Tiene un lenguaje propio, una estética humanística, mística, en equilibrio con la naturaleza (el viento, el mar). Aborda temas universales. Fue siempre un amante de la paz y la libertad , con un gran sentido de la dignidad. Un hombre honesto, un poeta y un místico abierto al mundo». Su obra, dice su nieto, «sigue viva porque habla de lo esencial: del espacio, del respeto, de la libertad, de la luz, de la tolerancia». Una lección más necesaria hoy que nunca.

• Un 'Salvator Mundi', del taller de Da Vinci, y un retrato de Velázquez, estrellas en la feria de Maastricht

  Tefaf, la feria de arte de Maastricht , una de las más prestigiosas del mundo, abrirá sus puertas del 14 al 19 de marzo. La estrella el año pasado fue el 'Retrato del príncipe Guillermo Nii Nortey Dowuona', pintado por Klimt y que estaba a la venta por 15 millones de euros, amén de la 'monja de Velázquez' (el 'Retrato de la madre Jerónima de la Fuente', de la colección Fernández de Araoz Marañón) y el culebrón sobre si estaba o no a la venta en la feria. La estrella indiscutible de esta edición será, sin duda, un 'Salvator Mundi (versión Ganay)' -nombre que toma de uno de sus propietarios, el marqués Hubert de Ganay-, del taller de Leonardo da Vinci. Se trata de un óleo sobre tabla de nogal, de 68,6 por 48,9 cm, pintado hacia 1505-15. Anna McGreevy, directora de la galería Agnews de Londres , ha confirmado a ABC, vía mail, que la obra estará a la venta en su estand en Tefaf. El cuadro, que se halla en un estado de conservación excepcional, se exhibirá junto a su reflectografía infrarroja a tamaño real, lo que permitirá comparar el dibujo subyacente con dos estudios de la Colección Real de Windsor. Respecto al precio, afirma McGreevy: «Presentamos la obra sin precio de venta, por lo que no puedo darle una cifra, pero sí le puedo decir que en este momento «estamos buscando ofertas y un compromiso serio» . Esta galería es la que vendió a la National Gallery de Londres en 1906 'La Venus del espejo', de Velázquez, que perteneció a la Casa de Alba, antes de ser incautada por Manuel Godoy. La primera referencia de este 'Salvator Mundi' data de 1866, cuando se exhibió en el Palacio de los Campos Elíseos de París. Era propiedad del barón de Lareinty, de Nantes. Posiblemente, la pintura provenía de la dispersión de un convento en Nantes durante la Revolución. Fue heredado en 1901 por su hija Guillemette. En 1902 lo vendió a Albert Bourdariat, un comerciante de arte de París, como obra de Leonardo da Vinci, y posteriormente, por 110.000 francos, a Martine-Marie-Pol de Béhague, condesa de Béarn. Por descendencia, pasó a su sobrino, el marqués Hubert de Ganay. La familia Ganay lo sacó a subasta en Sotheby's de Nueva York el 28 de mayo de 1999 , como 'Círculo de Leonardo'. Su actual propietario lo adquirió en esta subasta por 332.500 dólares . Se ha exhibido en varias ocasiones. Colgó en la gran exposición que dedicó el Louvre a Leonardo da Vinci entre octubre de 2019 y febrero de 2020. El comisario de la muestra, Vincent Delieuvin , conservador de pintura italiana del museo parisino, advertía en el catálogo que se trata de «una versión de un fiel alumno del maestro, sin duda pintada bajo su supervisión y con su posible intervención ». Después estuvo en el Prado como parte de la muestra 'Leonardo y la copia de Mona Lisa del Museo del Prado. Nuevos planteamientos sobre las prácticas del taller vinciano' (de septiembre de 2021 a enero de 2022). El cuadro aparecía con la siguiente cartel: 'Taller de Leonardo, autorizado y supervisado por él'. Hay que recordar que un 'Salvator Mundi', de Leonardo da Vinci (que perteneció a la colección Cook) se vendió en 2017 en la sala Christie's de Nueva York por 450,3 millones de dólares , convirtiéndose en el cuadro más caro de la Historia . Poco después se supo que el vendedor era el magnate ruso Dmitry Rybolovlev y el comprador, el príncipe saudí Mohammed Bin Salman. Desde entonces han surgido dudas entre los expertos sobre su autoría. Además, hay muchos misterios en torno al cuadro. Se desconoce su paradero. Se especuló con que podría estar en un yate de la Familia Real saudí e incluso que se hallaba en Ginebra a la espera de que fuese el reclamo para un nuevo museo de Riad. No se expuso en 2019 en el Louvre, ya que su propietario exigía que apareciera como obra de Leonardo, a lo que se opuso el museo francés y hasta tuvo que intervenir el Estado francés. La 'versión Ganay' es considerada la mejor de las más de veinte versiones conocidas . Carmen Bambach atribuyó la pintura al alumno predilecto de Leonardo, Salai . La reflectografía infrarroja mostró el uso de un cartón perforado con 'spolvero' en los pliegues de la vestimenta roja de Cristo y un dibujo subyacente en el rostro de Cristo, que consideraron comparable en estilo y técnica al de la 'Gioconda' del Prado. «Ha quedado demostrado que estos dos cuadros son de la misma mano, ya que su técnica es idéntica», advierte Delieuvin. El arte español también tendrá mucho peso en esta edición en Tefaf. En el estand de Colnaghi se reencontrarán dos artistas que coincidieron hace cuatro siglos en el taller de su maestro, Francisco Pacheco: Velázquez y Alonso Cano. Por un lado, sale a la venta el 'Retrato de don Sebastián García de Huerta' (1576-1644), secretario del Tribunal del Santo Oficio con Felipe III y más tarde secretario de la Casa Real con Felipe IV. Pintado por Velázquez antes de su primer viaje a Italia, fue publicado por August L. Mayer y José López-Rey y su autoría fue confirmada por Jonathan Brown. La obra es inexportable. Solo puede ser vendido a un español o a un extranjero con residencia en España, al tratarse de una obra con permiso de exportación temporal para su exposición. Esta misma galería ofrecerá en la feria el 'Retrato de un monje carmelita', pintado por Alonso Cano durante su estancia en Valencia. Obra maestra del género en la producción de este artista, procede de una colección particular italiana. Su reciente aparición en el mercado ha supuesto una de las incorporaciones más importantes a la retratística española del XVII.

• No te pierdas la oportunidad de visitar el Museo Reina Sofía a puerta cerrada

  El próximo viernes 27 de marzo ABC pone a disposición de sus suscriptores una actividad cultural exclusiva: una visita guiada a puerta cerrada al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS). El recorrido repasará las obras más significativas de la colección a lo largo de una hora de duración. En la colección permanente del museo destacan grandes artistas españoles del siglo XX, especialmente Pablo Picasso, Salvador Dalí y Joan Miró, representados ampliamente y con algunas de sus mejores obras. No te pierdas esta visita. Las plazas son muy limitadas y se adjudicarán por estricto orden de solicitud (se exigirá confirmación posterior) . Al ser a puerta cerrada, la visita tendrá lugar a las 21.00 horas con aproximadamente una hora... Ver Más

• La 'poesía' crítica y exquisita de Isaac Julien sobre la negritud, en el Museo Lázaro Galdiano

  Entre los galardonados este año por la Fundación ARCO (los premios 'A' al Coleccionismo) se halla la Fundación Calparsoro , reconocida con el premio al coleccionismo nacional. Quedó constituida hace solo unos meses. Tiene su origen en la colección atesorada por el coleccionista y empresario Gabriel Calparsoro durante más de veinte años. Está formada por unas 170 obras (pintura, escultura, fotografía y vídeo), todas de arte contemporáneo internacional y con un marcado carácter social y político. Entre la nómina de artistas presentes en esta colección, Nan Goldin, Wolfgang Tillmans, Peter Hujar, Ana Mendieta, Carrie Mae Weems, Kara Walker, Rachel Whiteread, Adam Pendleton, Ellen Gallagher, Barbara Hammer o Isaac Julien. Explica Gabriel Calparsoro que se planteó la opción de buscar una sede para mostrar sus obras, pero quería comenzar de forma muy humilde y finalmente descartó la idea. Pensó que sería mejor hacer colaboraciones puntuales con instituciones públicas y privadas, llevar el arte contemporáneo a colectivos sociales que no tienen acceso a él (como las cárceles), promover debates y reflexiones... Isaac Julien (Londres, 1960) , artista y cineasta, es el seleccionado para la puesta de largo de la Fundación Calparsoro, que estrena su actividad pública en el Museo Lázaro Galdiano con la instalación cinematográfica 'Once Again... (Statues Never Die)', de 2022. No es casual que se exhiba en este museo: el coleccionista José Lázaro Galdiano ignoró las vanguardias europeas del siglo XX. La obra más tardía de su colección fue una de Constable (1776-1837). Es un encargo, por su centenario, de la Barnes Collection de Filadelfia , uno de los grandes museos de arte norteamericanos, fundado en 1922 por el coleccionista y filántropo Alfred C. Barnes. En 2024, la obra también pasó a formar parte de la Fundación Calparsoro. Aunque ya lleva unas semanas en el Museo Lázaro Galdiano como rodaje, este viernes se inauguró oficialmente con la presencia del artista y podrá verse hasta el 29 de marzo. Con Bartomeu Marí como comisario y con la exdirectora de ARCO Lourdes Fernández (Artingenium) en la producción y coordinación, este proyecto cuenta con la colaboración del Ministerio de Cultura, el British Council y Filmoteca Española. La obra, de 30 minutos de duración (se les hará corto, incluso tendrán ganas de verla por segunda vez), contrasta con el 'ruido' visual en torno a ARCO. Aquí reina la calma, el sosiego. Es de una elegancia y una exquisitez arrolladoras, tanto en lo formal como en el contenido. Todo está cuidado al detalle. La música es espléndida ; las imágenes, bellísimas. Rodada en blanco y negro y proyectada en dos pantallas (se reflejan en unos espejos), la película aborda asuntos como la contribución del arte africano a las vanguardias, la negritud, la homosexualidad o el colonialismo en lugares como Benín, pero de una forma única, desde un prisma inédito: no reclama revancha. Une múltiples disciplinas (cine, fotografía, música, teatro, pintura, escultura...). El próximo año se verá en el Museo Picasso de París. Julien (de raza negra) reconstruye diálogos imaginados entre el filósofo Alain Locke , padre del movimiento Harlem Renaissance , y Barnes, ambos activistas en favor de causas afroamericanas. Son interpretados por André Holland y Danny Huston. Julien rodó en museos como el Pitt Rivers Museum de Oxford, la Pennsylvania Academy of Fine Arts o la propia Barnes Collection. Además, incluye fragmentos de dos filmes: 'Looking for Langston', del propio Isaac Julien, y una película del ghanés Nil Kwate Owoo. Fue rodada en los almacenes del British Museum, que atesora una colección de arte africano. En el filme aparecen personas de raza negra paseando por museos donde hay piezas de arte africano y reflexionando ello: «Ha sufrido un desprestigio, se mantenía como algo primitivo, exótico, una moda. No es una rareza ni una curiosidad pintoresca , está en algunos casos al mismo nivel que obras maestras de arte contemporáneo. Picasso, Modigliani, la música de Satie... Todo lo interesante es africano». Explica Bartomeu Marí que se trata de «poesía crítica», una obra «muy poliédrica, que aborda asuntos contemporáneos de gran relevancia. Hace preguntas sobre la Historia del Arte, la cultura negra, la negritud... La influencia del arte africano en las vanguardias históricas está ausente en la cultura española hasta la llegada del 'Guernica'». A través de Langston Hughes hay una conexión simbólica de la obra de Julien con la cultura española. Colaboró estrechamente con el hermano de Federico García Lorca en la traducción al inglés de la obra del poeta. Según Bartomeu Marí, es la primera obra que en nuestro país da visibilidad a la negritud y el homoerotismo. Hughes fue corresponsal en la Guerra Civil española y abordó el papel de los voluntarios afroamericanos en las Brigadas Lincoln.

• Cultura adquiere en ARCO 17 obras para el Reina Sofía por 400.000 euros

  El Ministerio de Cultura y el Reina Sofía han acudido un año más a ARCO para reforzar las colecciones del museo con la adquisición de nuevas obras y en apoyo a los artistas y la feria de arte más importante del Estado español. En esta nueva edición, el ministerio ha invertido 402.760 euros en la adquisición de 17 obras de 14 artistas, nueve de ellas mujeres , el 64%. Con estas adquisiciones se ha reforzado el compromiso con la presencia de mujeres artistas en las colecciones del museo, que actualmente suponen el 15 % de los fondos. Así lo han anunciado hoy en la feria el secretario de Estado de Cultura, Jordi Martí, y el director del Museo Reina Sofía, Manuel Segade, tras la Comisión Permanente del Patronato del Museo Reina Sofía, reunida este viernes en ARCO. De los 14 artistas cuyas obras han sido adquiridas, ocho son españoles y seis de otros países (cuatro latinoamericanos). Estos son los artistas cuyas obras pasarán a formar parte de las colecciones del museo: Annette Messager, Claudia Andujar, La Ribot, Ester Chacón, Kapwani Kiwanga, Venuca Evanán, Amparo de la Sota, Ana Laura Aláez, María Alcaide, Pere Noguera, Oriol Vilanova, Ángel Bados, Joan Gelabert y Robert Jacoby. Las adquisiciones se han centrado sobre todo en arte español o en galerías españolas, con creadores que van desde los 34 años de María Alcaide, la más joven, hasta los 94 años de Claudia Andújar. La selección de adquisiciones se ha realizado teniendo en cuenta criterios como el mencionado de incrementar la presencia de mujeres en los fondos del museo, además de cubrir aspectos inéditos o poco representados en las colecciones , o complementar líneas de investigación que ya se trabajan en el Reina Sofía, como el arte de acción y la performance, el arte textil, el arte conceptual matérico o el arte relacional, además de completar algunos nombres fundamentales en el panorama del arte contemporáneo y no existentes todavía en las colecciones del museo. La mayor parte de los artistas, nueve de los catorce, no están representados en el museo. Una de ellas es Annette Messager (Berk-sur-Mer, Francia, 1943) , una de las artistas fundamentales del último tercio del siglo XX en Francia que, aunque en 1999 se le dedicó una retrospectiva en el Palacio de Velázquez del Retiro, no estaba representada en la colección del Museo Reina Sofía. La obra adquirida, 'Voeux avec laine' (Deseos con lana), 1989-2024, está formada por fotografías de detalles del cuerpo femenino y masculino, y corresponde con su emblemática serie 'Mes voeux', que inicia en 1988. María Ribot (Madrid, 1962), La Ribot, coreógrafa, bailarina y artista , incrementa su participación en las colecciones con la obra 'Nueve chichis y un flash', (2000), un conjunto de 9 fotografías polaroids enmarcadas, adquiridas en Max Estrella. Las tres obras adquiridas de Pere Noguera enriquecen los fondos escultóricos y vienen a cubrir una clara laguna ya que este artista catalán no estaba representado. También dentro de los fondos escultóricos, la obra 'Si el mar pudiera hacerse de jardines' (2024) de Ángel Bados, que se sumará a las cuatro obras presentes en el museo del artista. Oriol Vilanova (Manresa, Barcelona, 1980), artista elegido para representar a España en la Bienal de Venecia 2026, ingresa en las colecciones con una instalación de gran tamaño, 'Mudos' (2020), formada por más de 2.100 postales de monumentos, que analiza la representación visual del poder en el espacio público. De los seis artistas no españoles adquiridos en ARCO, cuatro son de origen latinoamericano . La suiza-brasileña Claudia Andújar (Neuchâtel, Suiza, 1931), reconocida fotógrafa documental, de la que se adquiere la obra 'A sônia' (1971-2024), una videoinstalación con 3 proyecciones simultáneas con la que se ahonda en las prácticas artísticas feministas y de mujeres en el arte latinoamericano desde los años 60. Se suman la chilena Ester Chacón, la peruana Venuca Evanán y el argentino Roberto Jacoby. En clave poscolonial, la obra de Kapwani Kiwanga (Hamilton, Canadá, 1978), una artista francocanadiense cuyo trabajo analiza los desequilibrios de poder del pasado y el presente mediante la puesta en diálogo de las narrativas históricas. La obra adquirida es 'Flowers for Africa' (2026). En el deseo de enriquecer y completar la colección de diseño textil del Reina Sofía, especialmente del trabajo de artistas mujeres con una voz propia en el arte contemporáneo de nuestro país, se ha adquirido la obra de Amparo de la Sota 'Mapa VI, Aquí ahora (2021)', bordado sobre dos fundas de almohadas rasgadas y sábana antiguas teñidas con té. Joan Gelabert (Mataró, 1954), se incorpora con su obra 'Tríptic de Barcelona' (1988). Ana Laura Aláez (Bilbao, 1964) ya presente en los fondos del museo, incrementa su participación con la pieza adquirida, 'Dance & Disco', (2000/2019), seis fotografías sobre papel Ilford, junto con el vídeo documental 'Dance & Disco' (2000), que hace referencia a la instalación que la artista hizo en el Espacio 1 del Museo en el año 2000 y que se ha identificado como un gesto pionero que buscaba subvertir las lógicas tradicionales de la institución museística. Por último, la obra 'Capa pluvial o manto para caballo' (2025), de María Alcaide (Aracena, 1992) la artista más joven adquirida por el museo en esta edición, permite introducir a esta artista que revisa y actualiza cuestiones estructurales para la relectura de la identidad andaluza desde una mirada feminista y ecológica, en las colecciones del Reina Sofía. El Ayuntamiento de Madrid ha adquirido cuatro obras en la geria, por más de 71.100 euros, que pasarán a formar parte de la colección del Museo de Arte Contemporáneo (MAC) de la capital. Entre las obras adquiridas se encuentran 'Ritmo del mundo' (1984), de la artista madrileña Patricia Gadea, 'Hemos traído al mundo a todo el mundo. Y jamás mejor dicho' (2002), de Elena Blasco; 'Old Master (Cézanne)' (2017), de Oriol Vilanova, y 'Wayward' (2022), de Daniel Canogar. En el caso de la Junta de Andalucía , el incremento del 45% del presupuesto para adquisiciones ha permitido comprar once piezas, a través de nueve galerías, que se incorporarán a los fondos públicos del CAAC y C3A. Con una inversión de 145.134 euros, la selección reúne obras de Victoria Gil, Christian Lagata, Julia Llerena, Regina de Miguel, Cristina Mejías, Julia Santa Olalla, Fernando Clemente, Natalia Domínguez y María Alcaide. Las obras han sido adquiridas en las galerías Alarcón Criado, Rafael Ortiz, Àngels Barcelona, ArtNueve, Formato Cómodo, House of Chappaz, Maisterra, Sabrina Amrani y T20. El Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) refuerza la colección del museo con la adquisición de una treintena de obras procedentes de ARCO. El valor global de las piezas que engrosarán los fondos del IVAM asciende a 555.000 euros, correspondientes a 30 obras de 23 artistas, 19 de ellas mujeres. Referentes históricos y nombres imprescindibles del arte español como Lola Bosshard, Ana Peters, Esther Boix i Pons, Patricia Gadea, Isabel Villar, Elena Blasco, Eva Lootz, Francis (Pitti) Bartolozzi Sánchez, Nils-Udo y Juan del Junco. A estos, se suman compras de Luciana Novo, Sandra Monterroso, Ana Teresa Barboza, Marinella Senatore, Tania Candiani, Cristina Mejías, Marina González Guerreiro y Noemí Iglesias Barrios. Y creadores valencianos como Laura Palau, Lara Ordóñez, Alex Francés, Javier Garcerá e Inma Femenía. Es Baluard , de Palma, incorpora cinco obras provenientes de compras en ARCO de los artistas Damaris Pan -galería Fermay-, Fermín Jiménez Landa -Florit/Florit-, Valeria Maculan -galería Jorge López-, Belén Rodríguez -Alarcón Criado- y Ana Laura Aláez –Pelaires-. La Fundación María Cristina Masaveu Peterson ha comprado catorce obras de artistas como Alicia Martín y Susana Solano -Rafael Pérez Hernando-, Esther Chacón Ávila -José de la Mano-, Amparo de la Sota - Galería Alegría-, Belén Rodríguez -Alarcón Criado-, Sonia Navarro -Galería T20-, Darío Villalba -Leandro Navarrro-, Esther Ferrer y Enrique Aznar -Guillermo de Osma-, Teresa Lanceta -1 Mira Madrid-, Nuno Nunes Ferreira -Juan Silió- y Eduardo Chillida –Mayoral-. En el caso de la Fundación Sorigué , y con la participación de sus trabajadores en la selección de las piezas, se incorporan a su colección obras de Adolfo Bimer, Lucía C. Pino, Juan Asensio, Leo Burge, David Martínez Suárez y Diego Paonessa, y Miguel Rotschild. El Centro de Arte Fundación María José Jove ha comprado obras de los artistas Miguel Marina, Irma Álvarez-Laviana, y Damaris Pan.

• El estand de ABC Cultural en ARCO hilvana el trabajo de dos grandes tejedoras de sueños

  En las más prestigiosas bienales y ferias internacionales ha habido en los últimos años un 'boom' del arte textil , que firman creadoras como Annie Albers, Sonia Delaunay, Chiharu Shiota... o las españolas Elena del Rivero, Teresa Lanceta, Aurèlia Muñoz o Sonia Navarro. Estas dos últimas se dan cita en el estand de ABC Cultural en la 45 edición de ARCO , que este jueves han inaugurado los Reyes. Durante el recorrido por la feria estuvieron acompañados por el ministro de Cultura, Ernest Urtasun, y la directora de la feria, Maribel López, anfitriona del acto. La cita arrancaba a las 11 de la mañana en el pabellón 7. Había prisa, pues Felipe VI y Doña Letizia (de riguroso verde esmeralda) tenían cita en el Palacio Real con los Grandes Duques de Luxemburgo. Hay visitas previstas en los espacios de Unicef, Miguel Marcos, Green Art... Ya en el pabellón 9, parada en la zona dedicada a Latinoamérica. En el estand de la galería Barro de Buenos Aires, Felipe VI y Doña Letizia se han interesado por una pieza de Agustina Woodgate (Buenos Aires, 1981), que vive en Ámsterdam. 'National Times' consta de ocho relojes analógicos (los esclavos) que dependen de uno digital (el maestro). Las agujas del minutero van lijando los números, que acabarán desapareciendo. Después, la comitiva se dirigió a Sabrina Amrani, Miguel Nabinho, el espacio comisariado dedicado al futuro, Senda, las galerías más jóvenes en Opening, la Universidad de Málaga-Fundación Once... y ABC Cultural, que celebra sus 35 años . En su estand, los Reyes fueron recibidos por el presidente de Vocento, Ignacio Ybarra; el director de ABC, Julián Quirós; el director de ABC Cultural, Jesús García Calero; el coordinador de ABC Cultural y comisario del proyecto, Javier Díaz-Guardiola, y la protagonista, Sonia Navarro. El Rey le pidió que entrara en el estand su madre, que andaba por allí. También se interesó por el propietario de 'Algas' (técnica del macramé, cuerdas de sisal teñidas por la artista), obra inédita de Aurèlia Muñoz, que fue adquirida en ARCO 2020 por un coleccionista privado y la ha cedido para la ocasión. Pionera del arte textil, Aurèlia Muñoz (Barcelona, 1926-2011) fue una de las figuras más importantes de su renacimiento en las décadas de los 60 y 70, desarrollando un lenguaje estético a partir del anudado de macramé, que desdibuja los límites entre arte, arquitectura y artesanía. Es una de las pocas artistas españolas que tiene obra en la colección del MoMA neoyorquino. Este año, coincidiendo con el centenario de su nacimiento, el Reina Sofía y el Macba le dedicarán una gran retrospectiva. Pero volvamos al estand de ABC Cultural. Javier Díaz-Guardiola lucía en la solapa de su chaqueta a rayas una pegatina con el lema 'IVA Cultural, ¡ya!'. Le expuso tanto a los Reyes como al ministro de Cultura el problema que afecta al sector e incluso le señaló a Urtasun la pegatina. Se encogió de hombros, como si la cosa no fuera con él. Un par de paradas más y concluía la visita. Bajo el título 'Hilando tramas' , el espacio está compuesto por seis piezas recientes de Sonia Navarro. Por un lado, 'Algo barroco sin serlo I' y 'Algo barroco sin serlo II', espartos trenzados y cosidos con bastidor de madera, que ya están vendidos . Uno, a un productor de Hollywood , que lo llevará a Santa Mónica, y otro a un coleccionista valenciano. Su precio, 45.000 euros cada uno. En el estand de T20 ha vendido otra pieza a la Fundación María Cristina Masaveu Peterson. Junto a los espartos, se exhiben cuatro jarapas : 'Costuras de la memoria I', 'Costuras de la memoria II', 'Piel y memoria I', 'Piel de memoria II'. Todas ellas, en algodón cosido y bordado con listón de madera. Cuestan cada una 30.000 euros. Tras la visita de los Reyes, la artista atiende a ABC, entre constantes felicitaciones. Se la ve feliz. ¿Qué le han dicho los Reyes sobre su trabajo? «Ellos ya conocen mi obra. La Reina me ha preguntado si yo estaba también en el Consejo de la Lana. Ella está involucrada en esto y yo trabajo con la lana. La lana española fue el oro y en este momento se está destruyendo, siendo una materia prima espectacular. Y hemos estado hablando de lo importante que es que no se pierdan las labores de lo rural». Explica Sonia Navarro que Urtasun también conoce su obra, porque el Ministerio de Cultura le ha comprado tres piezas para depositar en museos nacionales, como el del Traje y el de Artes Decorativas. Pero lamenta haber olvidado preguntarle por el IVA cultural. El arte textil cuelga con el sambenito de ser un arte de y para mujeres , cosa de mujeres. ¿Tiene su obra algo de reivindicación femenina? «Sí. Para mí, es muy importante que todas esas mujeres que tienen estos oficios tengan una independencia económica y con esos oficios pueden decidir lo que hacen con su dinero». ¿Su arte es femenino o feminista? «Es femenino y es feminista». ¿Hay hombres haciendo arte textil? «Sí, Garriga hizo arte textil, y Millares, Tàpies, Rivera... Aunque igual desde otro punto, no sé». Explica que encarga los espartos a las esparteras : «Ellas lo trenzan, lo tiñen... Lo hacen todo ellas, que son las sabias de eso. La artesanía es la excelencia. Y ellas tienen esa excelencia. El esparto se lleva del campo al almacén. Ahí se pica, se tiñe, se trenza y luego se cuece. Y ya con eso hago la pieza. Me interesa mucho que no se pierda el esparto, porque sin él seremos desiertos. Hay también una parte de ecología con las jarapas, hechas con desechos de algodonera». Además, usa otros materiales, como el sisal, el yute, la lana, el bordado en oro y en seda. ¿El arte textil ha llegado para quedarse? «Yo creo que sí, pero bueno, nunca se sabe. Ahora se tiene más en cuenta». Interrumpe un momento la charla para despedirse del director de ABC, que la felicita por sus éxitos. «Muchas gracias por apoyar el arte contemporáneo», le dice ella. ¿Cree que está aceptado el arte textil como una forma artística de pleno derecho ? «Está intentando llegar a escalafones más altos. Pero todavía falta. El coleccionista privado se lo piensa porque la conservación de estas piezas es un poco más complicada». Le hace mucha ilusión compartir espacio con Aurèlia Muñoz, la maestra del arte textil en España: «Mujeres como ella nos abrieron el camino a las que veníamos después. Les debemos todo a las artistas de esa generación». Trabaja con telares en una pedanía de Lorca, a unos 50 kilómetros de su pueblo, Puerto Lumbreras, pero no quedan muchos. « El relevo generacional lo tenemos complicado , porque las madres no quieren que sus hijos sigan trabajando en esos telares. El señor con el que yo trabajo tiene 86 años». La obra de Sonia Navarro tiene mucho de memoria sentimental , de las madres y abuelas que cosían en las casas: «Le debo muchísimo a las mujeres de mi familia, de mi entorno, mis vecinas, porque en los pueblos se cosía. Y algunas mujeres cosían por la condición de ser mujeres, no porque les gustase coser». Por su parte, Javier Díaz-Guardiola advierte que «el año pasado dejamos el pabellón muy alto [magníficas fotografías de Pierre Gonnord ]. Fue un estand muy emotivo. Recibí un montón de felicitaciones. Era complicado hacer una cosa a la altura. Y este año nosotros cumplíamos 35 años. Pensé que la mejor manera de celebrarlo era hacer un seguimiento de alguien con el que hayamos trabajado ya en el estand cuando era una figura emergente y ver qué ha pasado. Sonia es una artista a la que descubrimos en su primer ARCO en 2001. Tenía 25 años. Una de sus obras, un maniquí, nos sirvió para ilustrar la portadilla de las páginas especiales de la feria aquel año. Luego la recuperamos en 2018, con otro proyecto, 'Mano sobre mano'. Y queríamos ahora ver cómo había evolucionado la propia Sonia, que el año pasado tuvo una proyección con la exposición de Alcalá 31, ha entrado en colecciones importantes... Ahora está en una exposición en el IVAM». El comisario tira de esos hilos rojos invisibles de los que se habla: «Uno conecta ARCO 2001 con ARCO 2026. Otro conecta a Sonia con la madre del arte textil en España, que es Aurèlia Muñoz. Hay muchas líneas temporales que se van cruzando por el estand. La obra que tenemos es de los años 70 y ahí se genera también otro hilo, porque Sonia nace en la década de los 70, con lo cual hay un diálogo entre la propia artista y la pieza, que es inédita». «El trabajo de Sonia -añade Díaz-Guardiola- pone en valor una visibilización de un trabajo femenino ocultado, y unas actividades artesanales, que son saberes populares y que no se deben perder. Sonia es una persona muy persistente, ha hecho lo que quería hacer, independientemente de las modas, y ahora tiene la suerte de que el mercado lo tiene de frente». Una vez conquistada la yinkana de las acreditaciones para poder entrar a la feria (ayer usamos hasta cuatro: la de prensa, la VIP, la de expositores y la del acto inaugural), dependiendo de la hora, el sitio y el humor del guarda de seguridad que te tocaba, ponemos dirección al pabellón 7, donde comenzaba la visita de los Reyes. Ya había un runrún el miércoles por los pasillos de ARCO: el jueves, durante la inauguración de la feria, habría una pitada a Ernest Urtasun, el empecinado , por aquello de resistirse numantinamente a un IVA cultural para el arte, como tienen la mayoría de los países europeos. A primera hora de hoy, llegaba la confirmación, vía comunicado del Consorcio de Galerías de Arte Contemporáneo: «El sector de las galerías de arte contemporáneo llevará a cabo una nueva acción reivindicativa coincidiendo con la visita oficial del ministro de Cultura, Ernest Urtasun». Eso sí, subrayaban que « esta acción no va dirigida contra la Casa Real ni contra Su Majestad el Rey , cuya presencia institucional respetan plenamente. La protesta se circunscribe exclusivamente contra la inacción y ausencia de interlocución entre los ministerios de Cultura y de Hacienda que lleven a una solución real para todo un sector, y a la falta de comprensión y adecuación de unas políticas culturales coherentes con las artes visuales». Durante el recorrido por los pabellones 7 y 9 de Ifema, se oyeron unos tímidos 'IVA Cultura, ¡ya!' y 'Urtasun dimisión! Pero, poco a poco, los galeristas se fueron animando. Cogieron los silbatos rojos que les habían repartido y se pusieron a pitar como niños, como si no hubiera un mañana. Había momentos del recorrido en el que el ruido era muy molesto. Pero Urtasun, a lo suyo, con cara de «esto no va conmigo sino con la ministra de Hacienda». Lo hace de vicio, la verdad. Entre los invitados sorpresa, un 'therian' cocodrilo , a la entrada del estand 'First Collector Fundación Santander', esperando la llegada de los Reyes. Dos guardas de seguridad se acercaron a la mujer, le pidieron la acreditación, le solicitaron que se retirara la máscara de cocodrilo que llevaba y le dijeron que se marchara de allí. Hasta luego, cocodrilo. ARCO no es feria para 'therian'.