ABC - Arte

1. El Thyssen exhibe 'La Chiquita Piconera', testamento artístico de Romero de Torres

   Guillermo Solana , director artístico del Museo Thyssen , la define como 'La Gioconda sin sonrisa' . Obra emblemática de Julio Romero de Torres , 'La Chiquita Piconera' no es adorada en su museo de Córdoba, en la hermosa Plaza del Potro, por las multitudes que acuden a diario a ver (bueno, a inmortalizar con sus móviles) la Mona Lisa en el Louvre . Los responsables del museo parisino están barajando cambiarla de lugar. Se está convirtiendo en un parque temático, un Disneylandia artístico. Pero la musa de Romero de Torres es más bella que la de Da Vinci. Con motivo de la celebración del 150 aniversario del nacimiento del pintor Julio Romero de Torres (Córdoba, 1874-1930), el Museo Thyssen... Ver Más

2. Un británico residente en España compra el 'Ecce Homo' de Caravaggio por 36 millones de euros

   Hacía tiempo que no teníamos noticias del 'Ecce Homo', de Caravaggio . Lo último que sabíamos del famoso cuadro -en abril de 2021 iba a salir a subasta en la sala Ansorena de Madrid como una 'Coronación de espinas', del Círculo de Ribera, con un precio de salida de 1.500 euros -, es que ya había concluido su restauración. Como adelantó ABC, fue llevada a cabo en Madrid por el especialista italiano Andrea Cipriani y su equipo bajo la supervisión de expertos de la Comunidad de Madrid. En la feria Tefaf de Maastricht de 2023, Jorge Coll, director general de Colnaghi , advertía que «en abril o mayo habrá noticias y serán muy buenas». Pero en julio hubo elecciones generales en España y las noticias del Caravaggio quedaron para tiempos menos convulsos. Y así hasta hoy, que hemos sabido por un comunicado del Museo del Prado que el lienzo tiene nuevo dueño (los anteriores eran los hermanos Pérez de Castro , a cuyas manos llegó a través de su antepasado, Evaristo Pérez de Castro ) y que será expuesto durante nueve meses en la pinacoteca. Según ha podido confirmar ABC, el nuevo propietario es un ciudadano británico residente en España (al ser declarado BIC por la Comunidad de Madrid el 22 de diciembre de 2021 e inexportable, la obra no puede salir de España, salvo excepcionalmente de forma temporal). Su precio, 36 millones de euros, muy por debajo del valor de Caravaggio en el mercado . Su inexportabilidad ha jugado en su contra. ¿No dispone el Estado español de fórmulas para haber conseguido hacerse con el cuadro? Por el hecho de ser Bien de Interés Cultural, tanto el Estado español (a través del Ministerio de Cultura) como la Comunidad de Madrid tenían la opción de haber ejercido su derecho preferente de tanteo (si iguala la oferta se queda con la obra), pero ninguno de ellos lo ejerció. Al parecer, el precio planteado era de 34,4 millones. ¿No dispone el Estado español de fórmulas para haber conseguido hacerse con el cuadro? ¿Créditos extraordinarios, acuerdos con empresas del Ibex y con mecenas, dación en pago? No todos los días es posible adquirir un Caravaggio. Solo hay 60 obras conocidas del genial pintor italiano. Hasta ahora, el precio más alto pagado por el Estado por una obra de arte fueron los 4.000 millones de pesetas (unos   24 millones de euros) pagados por 'La condesa de Chinchón', de Goya , para el Museo del Prado. Y el Gobierno dio luz verde al alquiler de la colección Carmen Thyssen por 6,5 millones anuales durante 15 años: o sea, desembolsará un total de 97,5 millones de euros y al final no será el Estado el propietario de la colección. El nuevo propietario del 'Ecce Homo' lo cederá en préstamo temporal al Prado durante nueve meses. Se expondrá en una instalación individual especial desde el próximo 28 de mayo hasta octubre de 2024 . Después, pasará a colgarse en el contexto de la exposición permanente hasta que se cumpla el plazo. «El Prado desempeñó un importante papel en la recuperación de esta obra al alertar al Ministerio de Cultura de su importancia, lo que impidió su salida de España. Gracias a la generosidad de su actual propietario, el Prado pone ahora a disposición del público y de la comunidad científica una obra excepcional de uno de los más grandes pintores de la historia», señala Miguel Falomir, director del Prado , en una nota de la pinacoteca. Todo apuntaba a que la obra acabaría en el Prado (o incluso la Academia de Bellas Artes de San Fernando , de donde salió), pero no como préstamo temporal. Sí sorprendió a todos que el cuadro no se restaurase en el taller del Prado, como cabía esperar. De hecho, fue el Prado el que alertó al Ministerio de Cultura de la relevancia de la obra. El propio Jorge Coll, en una entrevista con ABC en 2021, decía: «El Prado es una buena opción, pero hay que ver los intereses de los propietarios».   Claudio Falcucci, ingeniero nuclear, llevó a cabo una profunda investigación diagnóstica El cuadro ha estado bajo la custodia de la galería Colnaghi , en colaboración con Filippo Benappi (Benappi Fine Art) y Andrea Lullo (Lullo Pampoulides). Desde su aparición en subasta hace tres años, el 'Ecce Homo' ha representado uno de los mayores descubrimientos de la historia del arte , logrando un consenso en su autentificación. Tras una profunda investigación diagnóstica realizada por Claudio Falcucci -ingeniero nuclear especializado en la aplicación de técnicas científicas al estudio y conservación del patrimonio cultural-, se llevó a cabo un estudio de la obra, que ha corrido a cargo de Maria Cristina Terzaghi (catedrática de Historia del Arte Moderno en la Universidad Roma Tre y miembro del comité científico del Museo di Capodimonte de Nápoles), Gianni Papi (historiador del arte y escritor), Giuseppe Porzio (profesor de Historia del Arte en la Universidad de Nápoles) y Keith Christiansen (comisario del Metropolitan Museum of Art). Todos ellos han abordado las circunstancias de su descubrimiento, la procedencia, los aspectos estilísticos, técnicos e iconográficos de la obra, su fortuna crítica y el legado del maestro en Nápoles. Los cuatro expertos en Caravaggio y la pintura barroca comparten la misma certeza: el 'Ecce Homo' es una obra maestra del artista italiano. El óleo representa el motivo histórico del gobernador romano Poncio Pilato presentando a Cristo al pueblo con las palabras 'Ecce Homo' (He aquí el hombre), uno de los momentos más dramáticos de la Pasión, recogido en el Evangelio de Juan (19:5). La presentación del cuadro y el anuncio de su préstamo al Prado llevan también aparejada la edición de una publicación con ensayos de Christiansen, Papi, Porzio y Terzaghi. Bajo el título 'Caravaggio: El 'Ecce Homo' desvelado' , la publicación ofrece un punto de partida esencial para comprender esta nueva incorporación al catálogo de obras de Caravaggio. El cuadro formó parte de la colección privada de Felipe IV y después pasaría a manos de Godoy, secretario de Estado de Carlos IV El 'Ecce Homo' de Caravaggio (1605-1609) se menciona posiblemente por primera vez en un compromiso escrito en Roma entre el artista y el aristócrata Massimo Massimi , firmado el 25 de junio de 1605. Más adelante, en 1631 la obra pasa a formar parte de la colección de Juan de Lezcano (secretario de Pedro Fernández de Castro, embajador de España en Roma hasta 1616 y más tarde virrey de la corte de Palermo, hermano de Francisco de Castro, virrey de Nápoles). La obra se menciona más tarde en el inventario elaborado con motivo de la marcha a Madrid de la esposa de García de Avellaneda y Haro Delgadillo. Delgadillo fue el segundo conde de Castrillo (1588-1670) y virrey de Nápoles (1653-1659) . Posteriormente, el Ecce Homo pasó a formar parte de la colección privada de Felipe IV de España en 1664, y se menciona que estuvo expuesto en la vivienda de su hijo Carlos II entre 1701 y 1702. El diplomático Evaristo Pérez de Castro recibió el Caravaggio a cambio de otros cuadros donados a la Academia de Bellas Artes En 1789, la obra figura como expuesta en la Real Casa del Palacio del Buen Retiro , hasta que en 1816 se documenta en el Palacio de Buenavista de Madrid como parte de la colección de Manuel Godoy (1767-1851), secretario de Estado de Carlos IV y célebre coleccionista de arte. A la muerte de Godoy, el cuadro fue cedido a la Real Academia de San Fernando . En 1821, Evaristo Pérez de Castro Méndez (1769-1849), diplomático español y miembro honorario de la Academia de San Fernando, recibió el Caravaggio a cambio de otros cuadros donados a la Academia de Bellas Artes. La obra permaneció en la familia hasta que cambió de propietario este año. Tras su redescubrimiento siguieron dos años de intensa investigación y restauración. David García Cueto , jefe de Departamento de pintura italiana y francesa hasta 1800 del Prado, explica que esta pintura «complementa muy bien» el Caravaggio del Prado, 'David vencedor de Goliat': «Es de la primera madurez de Caravaggio, en torno a 1600, mientras que el 'Ecce Homo' es representativo de sus años finales, en torno a 1607-1609». Por su parte, J orge Coll , director general de Colnaghi, explica: «En los últimos cien años, ningún artista como Caravaggio, con su biografía aventurera y su estilo inconfundible, ha fascinado a tanta gente de todas las edades y ha atraído a tantos expertos de todo el mundo. Esta obra constituye, por tanto, uno de los mayores descubrimientos de la historia del arte, y su venta marca la culminación de dos años de trabajo en colaboración con muchos líderes en sus respectivos campos. Me siento honrado de haber formado parte de este proceso y de haber apoyado el increíble proceso de investigación y restauración, el cual ha confirmado y reforzado nuestra primera sospecha de que la obra es realmente una obra maestra de su tiempo, y también del nuestro». Maria Cristina Terzaghi , gran experta en Caravaggio, declara: «El rápido consenso en torno a la atribución de la obra a Caravaggio tras su redescubrimiento no tiene precedentes en la importante historia del pintor, sobre el que los expertos rara vez se han puesto de acuerdo, al menos en los últimos cuarenta años. Formar parte de este proceso ha sido en muchos sentidos una oportunidad única en la vida, por la que estoy inmensamente agradecida». Para Keith Christiansen , historiador del arte, «la atribución del 'Ecce Homo' y su ubicación dentro de la obra de Caravaggio ha requerido la demostración exhaustiva por parte de muchos expertos internacionales de primera fila. Formar parte del equipo que ha explorado esta excepcional obra maestra ha sido una experiencia verdaderamente extraordinaria».

3. La National Gallery de Londres se reinventa en su bicentenario

   Viejo conocido de España, Gabriele Finaldi (Londres, 1965) estuvo trece años (de 2002 a 2015) como director adjunto de Conservación e Investigación del Prado. En 2015 se incorporó como director de la National Gallery de Londres , sustituyendo a Nicholas Penny. Un museo que conocía bien, pues ya trabajó allí desde 1992 como conservador de Pintura Italiana y Española. B ritánico, de ascendencia italiana y español de corazón (casado con una jerezana, tienen seis hijos), cambió las cañas por el té de las cinco, el jamón pata negra por el 'fish and chips', 'Las Meninas' por 'La Venus del Espejo'... El 10 de mayo arrancan los actos de celebración del bicentenario de la National Gallery, que se prolongarán durante un... Ver Más

4. El Ayuntamiento de Burgos acuerda devolver una obra confiscada por el franquismo a la familia De la Sota

   El pasado 1 de abril, se presentó una solicitud por parte del despacho Ramón y Cajal , en representación de Ramón Urko de la Sota Chalbaud –que actúa en nombre de todos los herederos y legatarios de Ramón de la Sota y Aburto–, con objeto de la devolución en favor de los herederos de Ramón de la Sota y Llano de la propiedad de la obra 'Retrato de dama' o 'Retrato de la marquesa de Llano' , atribuida a Anton Raphael Mengs, que se halla depositada en el Monasterio de San Juan del Ayuntamiento de Burgos, y que fue incautada. El cuadro, que se había localizado hace muy poco tiempo, estuvo colgado en el comedor del palacio familiar de Ibaigane en Bilbao (así consta en una fotografía publicada en la revista 'Hermes'). Es un fragmento réplica del retrato de cuerpo entero de la marquesa de Llano, Isabel Parreño y Arce, pintado por Mengs, que el marqués de Llano donó a la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en el siglo XIX y que se exhibe en sus salas. El Ayuntamiento de Burgos ha emitido una resolución favorable al reconocimiento de la propiedad de la obra en favor de la familia De la Sota y la devolución del cuadro a la misma. Se encuentra actualmente inventariada con el número 180 en el Inventario Municipal de Bienes, concretamente en el epígrafe tercero: 'Muebles históricos, artísticos o valiosos'. Se dio de alta el 1 de enero del año 2000. Pero la descripción que consta en el inventario no coincide con la que dispone la solicitud. Los documentos de las testamentarias aportados acreditan que la obra figuraba en los inventarios hereditarios de Ramón de la Sota y Llano, en el haber de su viuda y, posteriormente, en el caudal hereditario de sus descendientes. Por tanto, no hay duda de que la obra pertenecía en el momento de su incautación a la colección de Ramón de la Sota y Llano. La documentación de archivo y las actuaciones administrativas y judiciales citadas certifican que la obra de arte reclamada fue objeto de despojo e incautación material por las autoridades franquistas durante la Guerra Civil española. Demuestran, además, que la obra reclamada fue trasladada a Burgos y entregada en depósito al Ayuntamiento de Burgos por parte del Sexto Cuerpo del Ejército en 1938. A la izquierda, 'Retrato de caballero', atribuido a Frans Pourbus. A la derecha, 'Retrato de la Reina María Cristina', atribuido a Vicente López Familia De la Sota Casi 300 obras de la colección de arte del empresario naviero y político del PNV Ramón de la Sota y Llano fueron incautadas por el ejército franquista en su residencia familiar, gracias a las diligencias dictadas por el Juzgado Especial de Responsabilidades Políticas. En 2022, otras dos obras confiscadas en 1937 a esta familia, que se hallaban en el Parador de Almagro ('Retrato de caballero', atribuido a Frans Pourbus, y 'Retrato de la Reina María Cristina', atribuido a Vicente López), fueron restituidas a sus legítimos herederos , gracias a una reclamación extrajudicial de la familia a través del despacho Ramón y Cajal. Tras el informe favorable de la Abogacía General del Estado, el secretario de Estado de Turismo y presidente de Turespaña, Fernando Valdés, admitió la reclamación de los herederos como titulares de las obras. La firma del acta de devolución tuvo lugar el 17 de junio de 2022 en el Museo de Bellas Artes de Bilbao, donde se depositaron en régimen de comodato para su estudio y exhibición. Su devolución, 85 años después, sentaba un precedente histórico en la restitución de obras incautadas en la Guerra Civil.

5. María Blanchard sale del purgatorio

   Nació el mismo año que Picasso (1881) , a quien visita en su casa en Málaga. Los dos nacieron mirando al mar (él al Mediterráneo; ella al Cantábrico). Los dos vivieron y desarrollaron sus carreras en París, ambos fueron figuras clave del cubismo (ella, la primera mujer en España en adherirse a este movimiento), pero la historiografía no los trató con el mismo rasero. Mientras canonizaban a Pablo y lo alzaban a los altares de las vanguardias, se cebaban sin piedad con la santanderina María Blanchard , cuyos 'pecados' eran ser mujer, pintora y padecer cifoescoliosis , una enfermedad que deformaba su espalda y dificultaba su crecimiento. Ello le provocaba un gran sufrimiento. «Cambiaría toda mi obra por un poco... Ver Más

6. El Papa visita la Bienal de Venecia y pide un arte que sirva de refugio contra la «violencia y la discriminación»

   Igual que en el pasado hicieron sus predecesores Pablo VI , Juan Pablo II y Benedicto XVI , el Papa Francisco ha mantenido encuentros con grandes artistas contemporáneos bajo los frescos de Miguel Ángel en la Capilla Sixtina. Pero este domingo ha dado un paso más y ha salido del Vaticano para encontrarles en su propio ambiente, en la Bienal de Venecia . El Pontífice ha comenzado un profundo diálogo con artistas en el Pabellón del Vaticano de la Bienal, durante el que ha comparado el arte con las «ciudades refugio» citadas en la Biblia, «entidades que desobedecen el régimen de violencia y discriminación para crear formas de pertenencia humana capaces de reconocer, incluir, proteger, abrazar a todos, empezando por los últimos». Ha explicado que el objetivo de estos lugares instituidos con el antiquísimo código deuteronómico es «evitar el derramamiento de sangre inocente y moderar el ciego deseo de venganza, garantizar la protección de los derechos humanos y buscar formas de reconciliación». Ciudades santuario «Sería importante que las diversas prácticas artísticas se establecieran en todas partes como una especie de red de ciudades santuario, trabajando juntas para librar al mundo de las antinomias vacías y sin sentido que pretenden imponerse en el racismo, la xenofobia, la desigualdad, el desequilibrio ecológico y la aporofobia , este terrible neologismo que significa 'fobia a los pobres'», les ha propuesto. Como «detrás de estas antinomias está siempre el rechazo del otro », les ha implorado que imaginen «ciudades que aún no existen en los mapas», «ciudades en las que ningún ser humano es considerado un extraño». Calcando el lema de la Bienal, titulada «Sentirse extranjeros en todas partes», ha propuesto «sentirse hermanos en todas partes». Le escuchaban algunos de los artistas que están exponiendo sus creaciones en el pabellón vaticano, como el director de cine Marco Perego , la libanesa Simone Fattal o la brasileña Sonia Gomes , cuyas esculturas colgantes estaban en la misma sala desde la que hablaba el Papa y obligan al visitante a mirar hacia arriba. Estas formas fascinantes de vivos colores evocan capullos de gusanos de seda que un día se liberarán en forma de mariposas; pero están hechas con retazos de ropa de amas de casa, prostitutas y empleadas. Educar la mirada Mirándolas, el Papa ha subrayado la capacidad del arte de «educar la mirada» para que no sea «ni posesiva o que transforme todo en objetos, pero tampoco indiferente o superficial». El adjetivo que ha buscado es « contemplativa ». «Los artistas están llamados a ir más allá. Hoy más que nunca es urgente que sepan distinguir arte y mercado. Por supuesto, el mercado promueve y canoniza al artista, pero existe el riesgo de que 'vampirice' la creatividad , robe la inocencia e instruya fríamente sobre lo que hay que hacer», les ha alertado. Sin embargo, Francisco sí se ha permitido sugerir una temática artística. Aprovechando que estaban en la cárcel de mujeres de la Giudecca , ha destacado que «hay una alegría y un sufrimiento que se unen en lo femenino de forma única que debemos escuchar, porque tienen algo importante que enseñarnos». Curiosamente ha citado a artistas con difíciles relaciones con la Iglesia como Frida Khalo o la exmonja Corita Kent . También a la escultora de arañas gigantes Louise Bourgeois . «Espero de todo corazón que el arte contemporáneo pueda abrirnos los ojos, ayudándonos a valorar adecuadamente la contribución de las mujeres, como coprotagonistas de la aventura humana», ha añadido. Provocación Después les ha despedido con una provocación , una frase del Evangelio, «¿Qué es lo que fuisteis a ver? Guardemos esta pregunta en nuestro corazón. Nos empuja hacia el futuro», les ha despedido. Junto a Francisco estaba también el cardenal José Tolentino de Mendonça , autor de poesías y obras de teatro de cierto éxito en Portugal. Como prefecto del dicasterio para la Educación y la Cultura, está detrás de la participación del Vaticano en la Bienal. En su saludo al Papa, ha reconocido que «en la historia de la relación de la Iglesia con las artes también ha habido ambigüedades y duras tensiones, provocadas por la dificultad de la Iglesia para comprender y aceptar la autonomía del arte, que justamente no acepta actuar como mera caja de resonancia de las palabras de otros». «No hemos buscado para este pabellón a los artistas más cómodos. No queríamos construir una trinchera ni aislarnos en nuestra propia visión. Al contrario, la invitación es a que cada uno vea con sus propios ojos», ha asegurado. 'Con mis propios ojos' El Papa Francisco ha podido ver en Venecia algunas de las propuestas de este pabellón titulado 'Con mis propios ojos' y que ya por su propia localización en una cárcel de mujeres donde cumplen condena 82 reclusas, es un mensaje. Los visitantes deben aparcar sus teléfonos móviles en la entrada, lo que facilita que contemplen las obras con calma. Las prisioneras han colaborado con los artistas, y cada día guían por sus salas a cien visitantes y explican personalmente la exposición. Impacta en el exterior un mural gigante de Maurizio Cattelan titulado 'Father' ('Padre'), que muestra los pies gastados de una persona que se ve obligada a caminar descalza. Una de las primeras obras con las que se cruzan los visitantes es del colectivo ' Claire Fontaine '. Se trata de un ojo aspado, similar al símbolo que avisa en redes sociales sobre imágenes desagradables. Titulado ' Sensitive content ', evoca el rechazo a mirar a las personas que cumplen condena. Noticias Relacionadas estandar No Australia gana el León de Oro al mejor pabellón nacional en el Bienal de Venecia ABC estandar Si Bienal de Venecia: el carnaval de la postcolonialidad Álvaro Enrigue Dentro, en un pasillo, la libanesa Simone Fattal ha grabado en placas de lava esmaltada poesías sobre la libertad escritas por las presas, pero las obras están hechas de modo que sea difícil leerlas, igual que es difícil escuchar la voz de sus autoras. También la francesa Claire Tabouret propone un mosaico hecho de rostros inocentes de niñas y niños, para luego informarnos de que son fotos de las prisioneras, de sus madres y sus hijos. Lo cierto es que Francisco, si no con intención artística, sí provocadora, ha evitado subirse en góndola durante su visita de cinco horas a la ciudad de los canales y ha obligado a volver la mirada hacia este lugar insólito de Venecia, para que todos puedan verlo «con los propios ojos».

7. Decepción en el mercado: una de las últimas obras de Klimt, perdida durante un siglo, no supera los 30 millones de euros

   La sala de subastas im Kinsky de Viena ha sacado a la venta esta tarde una obra maestra redescubierta del modernismo austriaco: el 'Retrato de la señorita Lieser' , una de las últimas obras creadas por Gustav Klimt . La pintura (óleo sobre lienzo, 140 por 80 centímetros), que se creía perdida durante un siglo, partía con una estimación de entre 30 y 50 millones de euros y finalmente se remató en la estimación más baja: 30 millones de euros (32 millones de dólares), lo que ha supuesto una gran decepción, pues se esperaba una cifra mucho más alta. Su récord en subasta lo ostenta desde junio de 2023 'Dama con abanico', vendido por 108,7 millones de dólares (estaba sobre el caballete de su estudio cuando el artista murió), aunque otra de sus obras, 'Serpientes de agua II', alcanzó los 187 millones de dólares en una venta privada en 2013. Y el 'Retrato de Adele Bloch-Bauer I' fue adquirido por el magnate de los cosméticos Ronald S. Lauder por 135 millones de dólares , siendo en 2006 el cuadro más caro de la Historia, desbancando del trono al mismísimo Picasso. El 'Retrato de la señorita Lieser' ha sido subastado en nombre de los propietarios (ciudadanos privados austriacos que lo tienen en sus manos desde los años 60) junto con los sucesores legales de Adolf y Henriette Lieser , sobre la base de un acuerdo conforme a los Principios de Washington de 1998 acerca del expolio nazi. El 13 de abril de 2023 se emitió un certificado de The Art Loss Register, Londres. La Oficina Federal de Monumentos (resolución del 23 de octubre de 2023) emitió un permiso para exportar la pintura. Hace 18 meses, Ernst Ploil, uno de los gerentes de im Kinsky, recibió la llamada de una persona que decía haber heredado el cuadro y quería subastarlo. Tras una investigación, no se han hallado pruebas de si la obra fue expoliada o no por los nazis en Austria. De ahí que se planteara al propietario llegar a un acuerdo con los herederos de los Lieser: subastan juntos el cuadro y se reparten los beneficios. Noticia Relacionada estandar No Muere a los 88 años Santiago Durán, pionero y referente de las subastas de arte en España Natividad Pulido Fundó en 1969 con sus hermanos la sala Durán Arte y Subastas de Madrid, que dirigió hasta 2009 La familia Lieser pertenecía a la alta sociedad vienesa en la que Klimt encontraba sus mecenas y clientes. Los hermanos Adolf y Justus Lieser se hallaban entre los principales industriales de la monarquía austrohúngara. Pero estos empresarios judíos sufrieron el expolio y la persecución de los nazis . Henriette Amalie Lieser-Landau, conocida como Lilly, estuvo casada con Justus Lieser hasta 1905 y fue mecenas de las vanguardias. Los catálogos de pinturas de Klimt afirman que Adolf Lieser encargó a Gustav Klimt que pintara un retrato de su hija Margarethe Constance, de dieciocho años. Sin embargo, existe la posibilidad de que Lilly Lieser encargara a Klimt que inmortalizara a una de sus dos hijas. Varios miembros de la familia tuvieron que huir de Austria durante el nazismo y Lilly Lieser murió en el campo de exterminio de Auschwitz . Tras la II Guerra Mundial, sus hijas volvieron a Austria y reclamaron los bienes confiscados por los nazis, pero el cuadro no se menciona en esa petición. El redescubrimiento de este retrato, uno de los más bellos del último período creativo de Klimt, ha creado una gran expectación en el mundo del arte. Antes de su venta el cuadro se expuso en Suiza, Alemania, Gran Bretaña y Hong Kong. El retrato está documentado en catálogos de pinturas de Gustav Klimt, pero los expertos sólo lo conocían a través de una fotografía en blanco y negro . Ahora, por primera vez, se pueden ver los colores brillantes del retrato. La pintura se caracteriza por la intensidad que distingue la paleta de Klimt en sus últimos años creativos. En el primer catálogo razonado de las pinturas de Klimt, publicado en 1967 por Fritz Novotny y Johannes Dobai, la modelo aparece identificada como Fräulein Lieser. Los autores de catálogos de obras más recientes (Weidinger, 2007 y Natter, 2012) han identificado a la modelo como Margarethe Constance Lieser (1899-1965), hija del magnate industrial Adolf Lieser. Una nueva investigación de la casa de subastas sobre la historia y la procedencia también abre la posibilidad de que el modelo de Klimt pudiera haber sido otro miembro de la familia Lieser: Helene Lieser (1898-1962), la primogénita de Henriette Amalie Lieser-Landau y Justus Lieser, o su hija menor, Annie Lieser (1901-1972). Se sabe que, entre abril y mayo de 1917, la modelo visitó nueve veces el estudio de Klimt en Hietzing para posar para él. Se realizaron al menos 25 estudios preliminares. Probablemente, Klimt comenzó a pintarlo en mayo de ese año. El pintor eligió para su representación un retrato de tres cuartos y muestra a la joven en una pose frontal sobre un fondo rojo e indefinido. Sobre sus hombros lleva una capa ricamente decorada con flores. 'Dama con abanico', de Klimt, se vendió por 108,7 millones de dólares Efe Mientras que Klimt representa el rostro de la joven con trazos precisos de una manera sensible y naturalista, otras partes del cuadro reflejan la pincelada libre y abierta de su estilo tardío. Los colores intensos del cuadro y el cambio hacia pinceladas sueltas y abiertas muestran a Klimt en el apogeo de su último período. Cuando el pintor murió de un derrame cerebral el 6 de febrero de 1918 , a los 55 años, dejó el cuadro, con pequeñas partes sin terminar y sin firmar, en su estudio. Tras la muerte de Klimt, el cuadro fue entregado a la familia que lo había encargado. La única fotografía conocida del cuadro se conserva en los archivos de la Biblioteca Nacional de Austria. Probablemente, fue tomada en 1925 en relación con la exposición de Klimt realizada por Otto Kallir-Nirenstein en la Neue Galerie de Viena. La ficha de inventario del negativo contiene la nota: «1925, en posesión de la señora Lieser, IV, Argentinierstrasse 20». El destino exacto de la pintura después de 1925 no está claro. Lo que se sabe es que fue adquirida en los años 1960 y pasó al actual propietario a través de tres herencias sucesivas. Se hallaba en una mansión a las afueras de Viena . Figura clave del Art Nouveau vienés , Gustav Klimt personifica el modernismo austriaco de fin de siglo más que cualquier otro artista. Su obra, en particular sus retratos de mujeres exitosas de la clase media alta de principios de siglo, gozan del mayor reconocimiento mundial. Sus retratos de mujeres rara vez se ofrecen en subasta, de ahí que una pintura de tal rareza, importancia artística y valor no ha estado disponible en el mercado del arte en Europa central durante décadas. Ronald Lauder, junto a María Altmann, ante el 'Retrato de Adele Bloch-Bauer I', de Klimt, en la Neue Galerie de Nueva York Reuters Otra de sus obras más conocidas es el 'Retrato de Adele Bloch-Bauer I' , que fue vendida por 135 millones de dólares al magnate Ronald Lauder y que fue objeto de una película, 'La dama de oro', protagonizada por Helen Mirren . Esposa de Ferdinand Bloch-Bauer, y única mujer retratada dos veces por Klimt, cuando los nazis ocuparon Austria, ya había muerto. Su esposo se exilió en Suiza. Todas sus propiedades fueron confiscadas, incluidas las obras de Klimt. En su testamento, Adele Bauer-Bloch designaba a sus sobrinos, incluida Maria Altmann , como herederos de su patrimonio. Tras una batalla legal en Estados Unidos y en Austria, se determinó que Altmann era la propietaria legal de esta y otras cuatro pinturas de Klimt. El retrato de su antepasada se exhibe en la Neue Galerie de Nueva York, propiedad de Lauder.

8. Muere a los 88 años Santiago Durán, pionero y referente de las subastas de arte en España

   No es posible entender la historia de la platería y las subastas de arte en este país sin la familia Durán. Uno de sus miembros, Santiago Durán Bailly-Bailliere , fallecía el domingo en Madrid a los 88 años . Fue director de la casa Durán Arte y Subastas desde su fundación en 1969 hasta 2009, cuando se jubiló a los 74 años. Tomó el testigo en la dirección de la firma su sobrina Consuelo. Siempre tuvo su sede en el barrio de Salamanca de Madrid: primero, en el número 30 de la calle Serrano; más tarde, en el 12 de la misma calle, y hoy se halla en el 19 de Goya. Es la sala de subastas más antigua de España . Fue creada por Santiago Durán y sus hermanos –cinco de los diez se dedicaron al negocio familiar–, tercera generación de una dinastía con una extensa actividad empresarial relacionada con lo artístico. España atravesaba por entonces una delicada situación económica. Había un gran desconocimiento y desinterés por el coleccionismo. De ahí la relevancia de la aventura emprendida por los hermanos Durán. Ellos allanaron el camino de las subastas de arte en la capital. Noticia Relacionada estandar Si El retrato odiado por Churchill y condenado a la hoguera que resurge de sus cenizas Ivannia Salazar | Corresponsal en Londres Pero la saga familiar se remonta a 1886 , cuando Pedro Durán Morales , pionero y emprendedor, fundó el Taller de Platería y Cincelado de Pedro Durán, proveedor de la Casa Real . Siguió su labor su hijo, Pedro Durán Rey , y cogieron el testigo sus hijos. En la actualidad, la cuarta generación continúa el legado familiar, adaptándose a los nuevos tiempos con un servicio especial de subastas 'online' . La sala Durán del siglo XXI apuesta por las nuevas tecnologías satisfaciendo las necesidades de un mercado globalizado: tiene clientes en medio centenar de países. Santiago Durán Durán Arte y Subastas Santiago Durán estaba casado con María del Carmen Sampedro. Tuvieron tres hijos: Alberto, David y Javier, que trabajan en el grupo de empresas familiar. Culto y ávido lector , era caballero protector de la corte de honor de Nuestra Señora de la Almudena. Dirigió con tino una sala que ha realizado más de 500 subastas. La venta inaugural, que tuvo lugar en mayo de 1969, incluía pintura de los siglos XV al XIX, plata, relojes, barómetros y arte oriental. Pero el negocio se fue diversificando : dibujos, esculturas, muebles, joyas, tapices, libros, manuscritos, arqueología, fotografía... Un sinfín de objetos de coleccionismo, incluidos fósiles y minerales, trofeos de caza, juguetes y hasta un oso polar. Por Durán han pasado lienzos destacados como 'Santa Marina' y 'Cordero pequeño', de Zurbarán ; 'Herrador marroquí', de Fortuny ; 'Pareja en un banco', de Picasso ; 'El paquete de tabaco', de Juan Gris , o 'Le bouquet', de Chagall , entre otros. Esta firma ha contribuido a redescubrir el arte del XIX español con obras de pintores como Fortuny, Jiménez Aranda o Raimundo de Madrazo . Muchas de ellas han regresado a España y hoy forman parte de museos, fundaciones, instituciones y colecciones privadas.

9. Muere a los 60 años Pierre Gonnord, el maestro del retrato contemporáneo

   Francés afincado en Madrid desde los ochenta, Pierre Gonnord fue un gran retratista, dueño de una técnica impecable, en parte aprendida en la pintura antigua, y especialmente empático con las víctimas de la convulsa historia de nuestro tiempo. Tras larga enfermedad, ayer falleció en Madrid, a los 60 años, Pierre Gonnord, fotógrafo franco-español. Nacido en Cholet (Maine-et-Loire), economista de formación, y autodidacta en el campo de la imagen, en 1988 se instaló en Madrid, donde pronto conectaría con Juana de Aizpuru, que se revelaría clave para la difusión de su obra, como lo ha sido para las de Cristina García Rodero y Alberto García-Alix , y que era su vecina en Barquillo. Un hito en su trayectoria fue la muestra que le dedicó en 2005 la Maison Européenne de la Photographie de París, en la que se vieron sus retratos monumentales europeos, neoyorquinos y asiáticos. Noticia Relacionada FOTOGRAFÍA estandar Si Alberto García-Alix: «Nunca he podido evitar la pulsión de saltar al vacío» Javier Díaz-Guardiola Desde que hiciera el primer disparo en 1975, este Premio Nacional ha nacido y renacido una y mil veces. Todas esas vidas se condensan en sus últimas citas de Madrid y Málaga. Y en el 'Archivo Nómada' que prepara con su editorial, Cabeza de Chorlito Siempre en su país natal, su fotolibro 'Regards' (2005), editado por la desaparecida TF, lo prologó Agnès de Gouvion Saint-Cyr, muy reputada en el ámbito de la fotografía. Al año siguiente, la barcelonesa Casa Asia expuso una selección de sus retratos de aquel continente. En 2006 expuso en el Museo de Bellas Artes de Sevilla. En 2007 recibió el Premio de Fotografía de la Comunidad de Madrid. En 2008, mostró su ciclo 'Testigos', centrado en los desplazados (gitanos, refugiados de la guerra civil de la antigua Yugoslavia, y migrantes africanos), en la Universidad de Salamanca, mientras 'La interpelación muda' podía contemplarse en el marco del festival cartagenero La Mar de Músicas. Camino del campo De 2009 es su fotolibro 'Tierra de nadie', sobre el mundo rural español y portugués, prologado por Rafael Doctor, y editado por Lunwerg. El mismo año, dentro de la colección de conversaciones de La Fábrica, salió el volumen dedicado a él, con el mismo crítico de arte como interlocutor. Importantes también su fotolibro 'Retratos' (2013, asimismo en La Fábrica), y sus individuales en el CEART de Murcia (2013) y el Museo de la Universidad de Navarra (2016). Mirar al alma. En las imágenes, algunas de las obras del fotógrafo ABC Impecable era la mirada como retratista de este hombre tímido, refinado y culto. Amigo del silencio y del claroscuro, y fascinado por la pintura antigua (un poco al modo en que lo está Bill Viola), siempre estuvo implicado en la problemática de nuestro tiempo. «Trabajamos –dejó escrito- con la emoción y la fragilidad de los seres humanos». Aunque es menos conocida, no hay que olvidar su también espléndida faceta de paisajista, atento, entre otras cosas, a los acantilados, y a los pájaros, tan importante para fotógrafos y poetas. Entre sus trabajos más tardíos, destaca su ciclo 'La sangre no es agua', sobre los supervivientes y familiares de nuestra diáspora en su país natal. Se vio en 2019, en las Arquerías de Nuevos Ministerios, junto a mi muestra 'Exilio republicano español'. Junto a cada imagen, un folio con un relato oral. La muestra viajó luego al ECCO de Cádiz, a la Universidad de Málaga, y tres años más tarde, a la parisiense Halle des Blancs-Manteaux, de la mano de la Asociación 24 de agosto de 1944. Descanse en paz.

10. Australia gana el León de Oro al mejor pabellón nacional en el Bienal de Venecia

    Las predicciones sobre los ganadores de la Bienal de Arte de Venecia (España estaba entre los favoritos) no se han cumplido. El jurado, presidido por Julia Bryan-Wilson, comisaria norteamericana y profesora de la Universidad de Columbia, y compuesto por Alia Swastika, comisaria y escritora indonesia; Chika Okeke-Agulu, comisario y crítico de arte nigeriano; Elena Crippa, comisaria italiana; e María Inés Rodríguez, comisaria franco-colombiana, ha anunciado hoy los ganadores de los Leones de Oro y Plata y las diversas menciones. El León de Oro a la mejor Participación Nacional va este año al pabellón de Australia . Bajo el título 'Kith and Kin', el artista es Archie Moore y ha sido comisariado por Ellie Buttrose. ¿El motivo? «En este pabellón tranquilo e impactante, Archie Moore trabajó durante meses para dibujar a mano con tiza un árbol genealógico monumental de las primeras naciones. Así, 65.000 años de historia (tanto registrados como perdidos) están inscritos en las paredes y el techo oscuros, invitando a los espectadores a llenar los espacios en blanco y captar la fragilidad inherente de este triste archivo«. Noticias Relacionadas estandar Si Bienal de Venecia: el carnaval de la postcolonialidad Álvaro Enrigue estandar Si ARTE Sandra Gamarra y Agustín Pérez Rubio: «Tenemos que asumir sin culpa, pero con responsabilidad, lo que fue el colonialismo» Miguel Uriz Obtuvo una mención especial el pabellón de Kosovo : 'The Echoing Silences of Metal and Skin'. de Dooruntina Kastrati, comisariado por Erëmirë Krasniqi. Se halla la muestra en el Museo Histórico Naval. El León de Oro al mejor participante en la exposición internacional , 'Extranjeros en todas partes', fue para el Colectivo Mata Aho (fundado en Aotearoa, Nueva Zelanda, en 2012), que realizó una instalación en el vestíbulo del Arsenale. «Creó una estructura luminosa entrelazada de correas que atraviesan poéticamente el espacio de exposición. Haciendo referencia a las tradiciones de los textiles, con su cuna en forma de útero, la instalación es a la vez una cosmología y un refugio. Sus impresionantes dimensiones son una hazaña de ingeniería que sólo fue posible gracias a la fuerza colectiva y la creatividad del grupo». El León de Plata para una joven promesa participante en la exposición internacional fue para Karimah Ashadu (Londres, 1985). Vive entre Hamburgo y Lagos, Nigeria. «Con una intimidad abrasadora, captura la vulnerabilidad de los jóvenes del norte agrario de Nigeria que emigraron a Lagos y terminaron a bordo de mototaxis ilegales. Su lente feminista es extraordinariamente sensible e íntima, y captura la experiencia subcultural de los motociclistas y su precariedad económica«. El jurado premió con unas menciones especiales a Samia Halaby (Jerusalén, 1936; vive en Nueva York) y La Chola Poblete (Mendoza, Argentina, 1989; vive en Buenos Aires). Además, recibieron los Leones de Oro de Honor Anna Maria Maiolino y Nil Yalter.